Что такое инструментальный концерт как музыкальное произведение. Концерт как музыкальный жанр. Изучение нового материала

16.07.2019

Тема урока : «Инструментальный концерт».

Педагогическая цель : дать представление о жанре инструментального концерта, о том, когда и как он возник, как развивался.

Исходя из цели урока ставятся следующие задачи:

Образовательная : познакомить учащихся с зарождением и развитием жанра инструментального концерта на примере концерта «Времена года» А.Вивальди, закрепить представления о различных видах концерта, расширить представления о программной музыке.

Развивающая : продолжить знакомить с лучшими образцами музыки эпохи барокко.

Воспитательная : воспитывать эмоциональную отзывчивость на восприятие классической музыки, развивать интерес и уважение к музыкальному наследию композиторов других стран..

Планируемые результаты:

Личностные : у обучающегося будет сформирована мотивация к изучению музыки, умение в процессе рефлексии проводить самооценку; ученик получит возможность для формирования устойчивого следования в поведении моральным нормам и этическим требованиям;

Предметные: ученик научится осознанно воспринимать и исполнять муз. произведения; ориентироваться в муз.жанрах, образах, формах; обращаться к литературным первоисточникам, выделять нравственную проблематику литературных текстов как основу для развития представлений о нравственном идеале; осмыслять специфику музыки и литературы как видов искусства.

Метапредметные.

Личностные: ученик научится проявлять эмоциональную отзывчивость, личностное отношение при восприятии музыки; ученик получит возможность научиться объяснять смысл своих оценок, мотивов, целей.

Познавательные: научится анализировать, сравнивать музыкальные произведения и образы одного произведения, находить общее и различное; оценивать и соотносить черты творчества композитора.Получит возможность научиться владеть отдельными специальными терминами в пределах изучаемого курса, использовать разные источники информации, стремиться к самостоятельному общению с искусством.

Регулятивные: научится исполнять музыку, передавая художественный смысл; получит возможность научиться определять и формулировать тему и проблему урока; оценивать музыкальные произведения с позиции красоты и правды.

Коммуникативные: научится организовывать работу в паре, группе; излагать своё мнение, аргументируя его и подтверждая фактами; получит возможность научиться сотрудничать со сверстниками в процессе исполнения песни и работы в группе.

Тип урока: урок «открытия» нового знания.

Вид урока: урок-размышление.

Оборудование: ноутбук, фонохрестоматии к учебнику «Музыка» 6 классов, цикл «Времена года» А. Вивальди, распечатанные слова песни А. Ермолова «Времена года» и др.

ХОД УРОКА

Орг. момент. Эмоциональный настрой.

Приветствие;

Здравствуйте, дорогие ребята, рада вас видеть.

Снова вижу вас сегодня,
Снова музыке звучать,
И прекрасное искусство
Очарует нас опять.
Все сердца одним стремленьем
Музыка объединит,
И торжественно и чудно
В наших душах зазвучит!

Я надеюсь, что вы будете принимать активное участие на уроке. В свою очередь я постараюсь, чтобы урок прошёл для вас интересно и познавательно.

2. Тема урока. Целеполагание.

1) На протяжении нескольких уроков мы с вами говорили о камерной музыке. Скажите, что такое «камерная музыка»?

Камерная, т.е. комнатная музыка, предназначенная для исполнения в небольших помещениях для небольшой аудитории (ответы детей).

Чтобы понять, о чем пойдет речь сегодня на уроке, предлагаю вам отгадать кроссворд. Слово спряталось по вертикали. Работаем в парах.

Большой коллектив музыкантов-инструменталистов, совместно исполняющих произведение (ОРКЕСТР)

Многочастное произведение для хора, солистов и оркестра (КАНТАТА)

Музыкальный спектакль, в котором основным средством выразительности является пение (ОПЕРА)

Оркестровое вступление к опере, спектаклю или самостоятельное симфоническое произведение (УВЕРТЮРА)

Ансамбль из четырёх исполнителей (певцов или инструменталистов) (КВАРТЕТ)

(по вертикали) Крупное музыкальное произведение для симфонического оркестра и какого либо солирующего инструмента, состоящее из 3 частей (КОНЦЕРТ)

- проверка, оценивание;

2) - Сформулируйте тему урока.

- Тема урока «Инструментальный концерт» (записать на доске).

Какие цели мы можем поставить?

3) повторение и введение нового материала.;

Давайте вспомним, что такое концерт?

- Концерт - (в переводе с итальянского означает согласие, с латинского – состязание). Концерт - музыкальное произведение, для симфонического оркестра и солирующего инструмента. Обычно состоит из трех частей. Встречаются концерты для одного инструмента, без оркестра, для оркестра без солиста , концерты для хора. В русской музыке широко применялся жанр хорового духовного концерта.

Инструментальный концерт - концерт для одних только музыкальных инструментов, без пения.

- Жанр концерта возникает в XVII веке в связи с интенсивным развитием скрипичного исполнительства.

Антонио Вивальди – скрипач-виртуоз, дирижер и педагог, один из величайших композиторов XVII – XVIII вв. Жил и творил в эпоху барокко
Был создателем жанра – инструментального концерта.

Определите одним словом эпоху барокко?( Причудливость).

Известно около 450 концертов Вивальди. Драма в музыке, контраст между хором и солистом, голосами и инструментами поражали публику:насыщенность сменялась спокойствием, нежность – мощью, соло прерывалось оркестром.
В композициях концертов Вивальди чередовались сольные и оркестровые части.

Вершина творчества Вивальди. Этот цикл объединил четыре концерта для солирующей скрипки и струнного оркестра. В них развитие музыкального образа основано на сопоставлении звучания * скрипки - solo * оркестра – tutti (в переводе с итальянского значит все ).

Принцип контраста определил трёхчастную форму концерта: 1-я часть – быстрая и энергичная; 2-я – лирическая, певучая, небольших размеров по форме; 3-я часть – финал, живой и блестящий.

Природа всегда радовала музыкантов, поэтов и художников. Красота природы, смена времен года: осень, зима, весна, лето – неповторима, каждая по-своему

Как вы думаете, обращались художники поэты к теме времен года?

Вы знаете такие произведения?

Поэтами написано много стихов о природе, художниками написано много картин о природе, а композиторами написано много музыки, изображающей картины природы.

Сегодня мы сравним, как изображено каждое время года в поэзии, в живописи и в музыке. А помогут нам в этом стихи русских поэтов, репродукции картин русских художников и волшебная музыка итальянского композитора Антонио Вивальди., который сумел отразить своей музыкой красоту родной природы.

Стихи, картины и музыка помогут нам увидеть, услышать и почувствовать каждое время года.

(Звучит 1-я часть, учитель название не называет) .

Какие чувства выражает эта музыка?

С каким временем года может ассоциироваться эта музыка?

Учащиеся определяют первоначальную интонацию, характер музыки, быстрый темп, контрасты динамики, изобразительные моменты – подражание пению птиц- это весна

Прослушанная музыка яркая, звонкая, радостная. В ней чувствуется полет, движение, пение птиц. Мелодия светлая, в музыке чувствуется приход весны.

Как звучит главная мелодия 1-й части концерта?

Эта часть начинается веселой беззаботной мелодией, легкой, светлой, прозрачной, непринужденной.

Что композитор изобразил в эпизодах?

Пение птиц, журчание ручейков, удары грома и вспышки молний.

Когда гроза проходит, то снова в каждом звуке радость прихода весны. Снова поют птицы, оповещая о приходе весны.

Учащиеся: Возможные ответы детей: ясно слышно, где играет оркестр, а где звучит солирующая скрипка. Мелодия, которая исполняется оркестром в мажорном ладу, очень ясная, яркая, легко запоминается, в танцевальном ритме. Мелодия, исполняемая солистом, гораздо сложней, она виртуозная, красивая, украшена музыкальными распевами, похожа на пение птиц).

Итак, что же вы почувствовали, представили?

Это ранняя весна или поздняя?

Да. Ранняя, так как музыка изображает пробуждение природы.

Как звучит музыка, передающая это состояние (стремительно, энергично, порывисто…)

Ответы учащихся

Вы услышали, как инструменты подражали звукам природы? (показ слайда)

Радостное пение птиц, веселое журчание ручейков, нежное веяние ветерка, сменяемое грозовым шквалом.

А может это состояние человека, наблюдающего весеннее пробуждение жизни?

Как вы себя ощущаете весной?

Какие новые чувства возникают у вас?

Ответы учащихся

Учитель дополняет: ощущение счастья, света, тепла, торжества природы.

Учащиеся определяют, что это ВЕСНА. Вывешиваем репродукцию о весне.

Цикл концертов «Времена года» - программное сочинение , в основе которого лежат стихотворные сонеты, с помощью которых, композитор раскрывает содержание каждого из концертов цикла. Предполагается, что сонеты написаны самим композитором

- Литературный текст подобен музыкальному и каждое из искусств своими средствами воспроизводит состояние человека, его чувства, вызванные приходом весны.

Тема времен года всегда была популярна в искусстве. Объясняется это несколькими факторами.

Во-первых, она давала возможность средствами данного конкретного искусства запечатлеть события и дела, наиболее характерные для того или иного времени года.

Во-вторых, она всегда наделялась определенным философским смыслом: смена времен года рассматривалась в аспекте смены периодов человеческой жизни

весна, то есть пробуждение природных сил, олицетворяла начало и символизировала юность

зима - конец пути - старость.

Слушание «Зима» (2ч. Largo) А. Вивальди.

(Ответы уч-ся). Музыка спокойная, напевная задушевная, задумчивая, лирическая.

Почему в наше время часто исполняется музыка, написанная более трех веков назад?

(Ответы уч-ся).

Итак, ребята, ваши впечатления?

Какое это время года?

Что вы представили, слушая эту музыку?

А как это передано в звучании, в исполнении?

(тема, движение мелодии, сила звука)

Да. Создаётся ощущение всепронизывающей зимней стужи, как будто «под порывами ледяного ветра всё живое дрожит в снегу» (показ слайда)

Как вы думаете, в музыке только образ природы, зимы, или переданы чувства человека- композитора?

Да. Ведь человек – это часть природы, и в этой музыке мы чувствуем собранность, волю, готовность человека преодолеть невзгоды зимы: стужу, холод.

4) физминутка;

Если есть время, то по тому же времени характеризуем часть «Лето», часть «Осень».

Учитель вместе с детьми определяют Принцип контраста произведения

1-я часть – Allegro (Пришла весна)

быстрая, энергичная, обычно без медленного вступления

2-я часть – Largo e pianissimo sempre (Спящий пастух) лирическая, певучая, более скромная по размерам

3-я часть – Allegro danza pastorale. (Деревенский танец) финал, подвижный, блестящий

- поставьте оценку за эту работу в своих оценочных листах.

4) составление синквейнов (по группам);

СИНКВЕЙН (5 строк)

Первая строка- существительное;

Вторая строка- два прилагательных;

Третья строка- три глагола;

Четвёртая строка-

Пятая строка-

Пришла, расцвела, разбудила.
Благодать!

Выставление оценок.

В ы в о д: Композитор, в своих концертах выразил собственное восприятие окружающего мира. В музыке переданы чувства человека, его отношения к природе, миру. Они неизменны, постоянны, независимо от того, в какую эпоху живет человек.

Концерты Вивальди положили начало развитию жанра инструментального концерта.

4. Вокальная работа.

Дыхательная гимнастика;

Распевка;

Слушание;

Пение песни Ю. Антонова. « Живет повсюду красота»;

4. Итоги. Рефлексия.

Что узнали?

Что понравилось?

(заполняем листа настроения).

№ задания	оценка	№ задания	оценка




Общая оценка за урок		Общая оценка за урок

Лист самооценки Лист самооценки

№ задания	оценка	№ задания	оценка




Общая оценка за урок		Общая оценка за урок

Лист самооценки Лист самооценки

№ задания	оценка	№ задания	оценка




Общая оценка за урок		Общая оценка за урок

Лист самооценки Лист самооценки

№ задания	оценка	№ задания	оценка




Общая оценка за урок		Общая оценка за урок

Лист самооценки Лист самооценки

№ задания	оценка	№ задания	оценка




Общая оценка за урок		Общая оценка за урок

Лист самооценки Лист самооценки

№ задания	оценка	№ задания	оценка




Общая оценка за урок		Общая оценка за урок

ВЕСНА (La Primavera)

Весна грядет! И радостною песней

Полна природа. Солнце и тепло,

Журчат ручьи. И праздничные вести

Зефир разносит, Точно волшебство.

Вдруг набегают бархатные тучи,

Как благовест звучит небесный гром.

Но быстро иссякает вихрь могучий,

И щебет вновь плывет в пространстве голубом.

Цветов дыханье, шелест трав,

Полна природа грез.

Спит пастушок, за день устав,

И тявкает чуть слышно пес.

Пастушеской волынки звук

Разносится гудящий над лугами,

И нимф танцующих волшебный круг

Весны расцвечен дивными лучами.

ЛЕТО (L"Estate)

В полях лениво стадо бродит.

От тяжкого, удушливого зноя

Страдает, сохнет все в природе,

Томится жаждой все живое.

Доносится из леса. Нежный разговор

Щегол и горлица ведут неторопливо,

И теплым ветром напоен простор.

Вдруг налетает страстный и могучий

Борей, взрывая тишины покой.

Вокруг темно, злых мошек тучи.

И плачет пастушок, застигнутый грозой.

От страха, бедный, замирает:

Бьют молнии, грохочет гром,

И спелые колосья вырывает

Гроза безжалостно кругом.

ОСЕНЬ (L"Autunno)

Шумит крестьянский праздник урожая.

Веселье, смех, задорных песен звон!

И Бахуса сок, кровь воспламеняя,

Всех слабых валит с ног, даруя сладкий сон.

А остальные жаждут продолженья,

Но петь и танцевать уже невмочь.

И, завершая радость наслажденья,

В крепчайший сон всех погружает ночь.

А утором на рассвете скачут к бору

Охотники, а с ними егеря.

И, след найдя, спускают гончих свору,

Азартно зверя гонят, в рог трубя.

Испуганный ужасным гамом,

Израненный, слабеющий беглец

От псов терзающих бежит упрямо,

Но чаще погибает, наконец.

ЗИМА (L"Inverno)

Дрожишь, замерзая, в холодном снегу,

И севера ветра волна накатила.

От стужи зубами стучишь на бегу,

Колотишь ногами, согреться не в силах

Как сладко в уюте, тепле и тиши

От злой непогоды укрыться зимою.

Камина огонь, полусна миражи.

И души замерзшие полны покоя.

На зимнем просторе ликует народ.

Упал, поскользнувшись, и катится снова.

И радостно слышать, как режется лед

Под острым коньком, что железом окован.

А в небе Сирокко с Бореем сошлись,

Идет не на шутку меж ними сраженье.

Хоть стужа и вьюга пока не сдались,

Дарит нам зима.

СИНКВЕЙН (5 строк)

Первая строка- существительное;

Вторая строка- два прилагательных;

Третья строка- три глагола;

Четвёртая строка- фраза, из 4 слов передающая собственное отношение, настроение;

Пятая строка- вывод, одним словом или фразой.

Учащиеся приводят примеры по синквейну, затем сравнивают с примером учителя

Ранняя, солнечная, долгожданная.
Пришла, расцвела, разбудила.
Душа полна предчувствием счастья.
Благодать!

СИНКВЕЙН (5 строк)

Первая строка- существительное;

Вторая строка- два прилагательных;

Третья строка- три глагола;

Четвёртая строка- фраза, из 4 слов передающая собственное отношение, настроение;

Пятая строка- вывод, одним словом или фразой.

Учащиеся приводят примеры по синквейну, затем сравнивают с примером учителя

Ранняя, солнечная, долгожданная.
Пришла, расцвела, разбудила.
Душа полна предчувствием счастья.
Благодать!

СИНКВЕЙН (5 строк)

Первая строка- существительное;

Вторая строка- два прилагательных;

Третья строка- три глагола;

Четвёртая строка- фраза, из 4 слов передающая собственное отношение, настроение;

Пятая строка- вывод, одним словом или фразой.

Учащиеся приводят примеры по синквейну, затем сравнивают с примером учителя

Ранняя, солнечная, долгожданная.
Пришла, расцвела, разбудила.
Душа полна предчувствием счастья.
Благодать!

СИНКВЕЙН (5 строк)

Первая строка- существительное;

Вторая строка- два прилагательных;

Третья строка- три глагола;

Четвёртая строка- фраза, из 4 слов передающая собственное отношение, настроение;

Пятая строка- вывод, одним словом или фразой.

Учащиеся приводят примеры по синквейну, затем сравнивают с примером учителя

Ранняя, солнечная, долгожданная.
Пришла, расцвела, разбудила.
Душа полна предчувствием счастья.
Благодать!

Урок музыки в 6-м классе "Инструментальный концерт"

Цели урока:

Развивающая : продолжить знакомить с лучшими образцами музыки эпохи барокко.

Оборудование: мультимедийный проектор, учебник Г.П. Сергеевой, Е.Д.Критской «Музыка» для 6 класса, творческая тетрадь к данному учебнику, фонохрестоматии к учебнику «Музыка» 6 классов, рабочая тетрадь, музыкальные словари.

План урока:

1. Организационный момент.
2. Эпоха барокко – композиторы, жанры, музыкальные образы.
2.1. Развитие жанра концерта в творчестве А.Вивальди.
2.2. История возникновения балета «Времена года».
2.3. Современные исполнители и исполнительские коллективы.
3. Домашнеее задание.

ХОД УРОКА

1. Организационный момент

Приветствие в форме вокальной попевки, исполняемой учителем:

– Здравствуйте, ребята, здравствуйте! (Постепенное восходящее движение от первой ступени к пятой по звукам тонического трезвучия) .
Ответ детей:

– Здравствуйте, учитель, здравствуйте!» (Полное повторение исходной попевки).

2. Изучение нового материала.

Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями, способствует полёту воображения,
музыка придаёт жизнь и веселье всему существующему…
Её можно назвать воплощением всего прекрасного и возвышенного.

Платон

Учитель: На самом первом уроке по музыке в 6 классе мы говорили о музыкальном разнообразии: музыка бывает вокальной и инструментальной. Тема нашего сегодняшнего урока «Инструментальный концерт». Назовите, пожалуйста, жанры инструментальной музыки и возможные составы исполнителей. (Дети называют жанр симфонии, концерта, вокализа, песни без слов, сонаты, сюиты и исполнительские составы – музыка сольная, ансамблевая оркестровая). Найдите значение слова «Концерт» в музыкальных словарях.

(Дети ищут заданное слова и читают вслух найденное определение).

Ученик: Концерт (ит. concerto от лат. – concerto – соревнуюсь) называют:

1. Публичное исполнение музыкальных произведений.
2. Жанр крупного музыкального произведения виртуозного характера для солиста с оркестром, написанного чаще всего в форме сонатного цикла.
3. Полифоническая вокальная или вокально-инструментальная музыка, опирающаяся на сопоставление двух и более партий. Концерт строится их трёх частей (быстро – медленно – быстро).
В истории музыки есть концерты для солирующего инструмента и оркестра, для оркестра без солистов, в русской музыке в XVIII веке возник жанр духовного хорового концерта.

Учитель: В учебнике (стр.108-110) в изобразительном ряду рассмотрим репродукции картины «Весна» С. Ботичелли и рельефы Ф. Гужона. Музыку какого художественного стиля вы бы взяли, чтобы озвучить эти произведения искусств? Тема сегодняшнего урока – «Инструментальный концерт». Вы познакомитесь с зарождением и развитием жанра камерной музыки – инструментального концерта. Вспомните, как называется художественный стиль в культуре и искусстве европейских стран в период с 1600-1750 г.г.; творчество каких композиторов относится к эпохе барокко. (Дети должны дать определение этого слов из темы «Образы духовной музыки Западной Европы», назвать имя И.С. Баха, учебник стр.66). Вы верно назвали значение этого слова. Барокко– это один из самых красивых и изысканных стилей в искусстве. Предположительно происходит от португальского выражения pleurabarocco – жемчужина причудливой формы. И в самом деле, барокко – это жемчужина в цепи меняющихся художественных ценностей в живописи, архитектуре, скульптуре, литературе, музыке

Для мастера барокко было важно запечатлеть божественную красоту жизни. Барокко как художественному стилю присущи выразительность, пышность, динамика. Искусство барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей и слушателей, подчеркивало драматичность душевных переживаний человека. Именно с возникновением барокко музыка впервые полно продемонстрировала свои возможности углубленного и многостороннего воплощения мира душевных переживаний человека. На ведущее место выдвинулись музыкально-театральные жанры, прежде всего опера, что определялось характерным для барокко стремлением к драматической экспрессии и сочетанию различных видов искусства. Это проявлялось и в сфере религиозной музыки, где ведущими жанрами были духовная оратория, кантата, пассионы. Одновременно обнаружилась тенденция к обособлению музыки от слова – к интенсивному развитию многочисленных инструментальных жанров. Высочайшими достижениями представлена барочная культура в изобразительном искусстве (Рубенс, Ван Дейк, Веласкес, Рибера, Рембрандт), в архитектуре (Бернини, Пюже, Куазевокс), в музыке (А.Корелли, А. Вивальди, И.С.Бах, Г.Ф.Гендель). Эпоху барокко принято считать с 1600-1750 г.г. За эти полтора столетия были изобретены такие музыкальные формы, которые, претерпев изменения, существуют в настоящее время.

На сегодняшнем уроке вы познакомитесь с циклом концертов «Времена года», являющегося вершиной творчества А.Вивальди. Антонио Вивальди – итальянский скрипач, композитор и педагог.

Творческое наследие Вивальди чрезвычайно велико. Оно охватывает около 700 названий. Среди них 19 опер. Но главным историческим значением его творчества стало создание сольного инструментального концерта. В этом жанре было написано около 500 произведений. Многие из его концертов были написаны для одной и более скрипок, два концерта – для двух мандолин и несколько – для необычных музыкальных, например, для двух скрипок и двух органов. Сочиняя концерты для струнных инструментов, композитор один их первых обратился к сочинению музыки для духовых инструментов, считавшихся примитивными и неинтересными для композиторов. Гобой, валторна, флейта, труба в его концерте звучали полно и стройно. Концерт для двух труб А.Вивальди написал по заказу. Очевидно, исполнители хотели доказать, что на трубе можно играть красивую и виртуозную музыку. До сих пор исполнение этого концерта является доказательством высочайшего мастерства исполнителя. Много музыки написано композитором для фагота – более 30 концертов для фагота с оркестром. Особое предпочтение среди духовых инструментов Вивальди отдавал флейте с её нежным, мягким тембром. В партиях, поручаемых флейте, она звучит в полный голос, проявляя все свои достоинства.

В творчестве А.Корелли был сформирован concerto grosso (сопоставление всего ансамбля с несколькими инструментами). А. Вивальди сделал шаг вперёд по сравнению со своим предшественником: сформировал жанр сольного концерта, который значительно отличался масштабами развития, динамичностью и экспрессивностью музыки. В композициях концертов чередовались сольные и оркестровые части, основанные на «хорошо организованном контрасте». Принцип контраста определял трёхчастную форму концерта: 1-я часть – быстрая и энергичная; 2-я – лирическая, певучая, небольших размеров по форме; 3-я часть – финал, живой и блестящий. Сольный инструментальный концерт был рассчитан на широкую аудиторию, для которого были присущи элементы зрелищности, некоторой театральности, проявляющуюся в состязании солиста и оркестра – в беспрестанном чередовании tutti и solo. Именно в этом и был смысл концерта, музыки.

Циклом концертов «Времена года» являются вершиной творчества А.Вивальди.
Предлагаю вам послушать 1-ю часть концерта. (Звучит 1-я часть, учитель название не называет) .
– С каким временем года может ассоциироваться эта музыка? (Учащиеся определяют первоначальную интонацию, характер музыки, быстрый темп, контрасты динамики, изобразительные моменты – подражание пению птиц, это весна).

Мир, в котором мы живем, полон всевозможных звуков. Шелест листвы, раскаты грома, шум морского прибоя, свист ветра, мурлыканье кошки, треск горящих дров в камине, пение птиц…
В незапамятные времена человек понял, что звуки бывают разные: высокие и низкие, короткие и долгие, приглушенные и громкие. Но сами по себе звуки – еще не музыка. И когда человек стал организовывать их, чтобы выразить свои чувства и мысли – возникала музыка.
Как можно охарактеризовать мелодию? (Возможные ответы детей: ясно слышно, где играет оркестр, а где звучит солирующая скрипка. мелодия, которая исполняется оркестром; мелодия в мажорном ладу, очень ясная, яркая, легко запоминается, в танцевальном ритме. Мелодия, исполняемая солистом, гораздо сложней, она виртуозная, красивая, украшена музыкальными распевами, похожа на пение птиц).

Среди музыкантов всех времён было популярно подражание птичьими голосам. Пение птиц имитировалось в древности, и до сих пор такие имитации встречаются в музыкальном фольклоре разных народов. Мыслители, ученые, музыканты искали в пении птиц истоки музыки. «Музыкальность» многих птиц не перестаёт восхищать. Недаром соловей стал одним из символов искусства вообще, а сравнение с ним – похвала для певца. Композиторы эпохи барокко написали много прекрасной «птичьей» музыки – «Ласточка» К.Дакена, « Перекликание», «Курица» Ф. Рамо, «Влюблённый соловей» и «Соловей – победитель» Ф. Куперена, многочисленные «Кукушки»– Куперена, А.Вивальди, Б.Пасквини и.т.д.Связаны ли музыкальные темы оркестра и солиста? (В музыкальных темах один ритм, ярко динамическое волнение, дыхание простора на природе, ощущается радость жизни).
– Какой инструмент в эпоху барокко был самым совершенным?

Как мало струнных инструментов использовал А. Вивальди по сравнению с современными оркестрами. В первоначальном варианте, по замыслу композитора, струнных всего пять. Современные струнные коллективы начинались с небольших оркестров, состоявших из пяти, затем десяти, двенадцати, четырнадцати инструментов. Скрипка – самый важный инструмент оркестра, Золушка современного симфонического оркестра. До сих пор это самый совершенный инструмент из всех струнных. У неё чудесное звучание и невероятный диапазон. Во времена Вивальди и Баха были сделаны лучшие инструменты в истории. В маленьком итальянском городке Кремона делали прекрасные и неповторимые скрипки. Запомним имена Страдивари, Амати, Гварнери. Маленький городок славился своими мастерами. За последние триста лет никто не смог сделать скрипки лучше, чем мастера Кремоны. В своём произведении А.Вивальди показал яркость и красоту звучания скрипки, как солирующего инструмента.

Музыка – один из видов искусства. Подобно живописи, театру, поэзии, она является образным отражением жизни. Каждое искусство говорит на своем языке. Музыка – язык звуков и интонаций – отличается особой эмоциональной глубиной. Именно эту эмоциональную сторону вы почувствовали при прослушивании музыки А.Вивальди.

Музыка обладает сильным воздействием на внутренний мир человека. Она может доставлять наслаждение или, напротив, вызывать сильное душевное беспокойство, побуждать к размышлениям и открывать перед слушателем неизвестные ранее стороны жизни. Именно музыке дано выразить чувства столь сложные, что их порой невозможно описать словами.

Подумайте, можно ли на эту музыку поставить балет? Когда соревнуются в мастерстве солист и оркестр, они непременно должны играть для зрителя. Именно в этом непрестанном чередовании звучания оркестра и ярко звучащей солирующей скрипки, в ощущении театра и дискуссии, в гармоничности и стройности музыкальной формы ощущаются характерные черты музыки барокко. При повторном прослушивании 1 –ой части концерта вслушайтесь в звучащую музыкальную ткань. Мелодический голос сочетается с непрерывным, строго определённым по форме сопровождением. В этом отличие от сочинений предшествующего периода, где главенствующую роль играла полифония – одновременное звучание нескольких мелодий, равных по своей значимости.

Итак, концерт А.Вивальди «Времена года» состоит из четырёх частей. Название каждой части соответствует названию времени года. Развитие музыкального образа каждой части основано не только на сопоставлении звучания скрипки соло и tutti оркестра. В концерте музыка следует за образами стихотворных сонетов, которыми композитор раскрывает содержание каждого из концертов цикла, т.е. существует некоторая программа. Есть предположения, что сонеты были написаны самим композитором. Обратимся к переводам сонета, который стал своеобразной программой концерта. В учебнике на стр.110- 111 предложено два варианта перевода. Какой из них, на ваш взгляд, большее точно соответствует музыкальному образу 1-й части концерта «Весна»? Какими средствами выразительности литературный текст передаёт настроение человека, его душевное и эмоциональное состояние, связанное с приходом весны? А.Вивальди, используя литературную программу в своём концерте, явился основоположником программной музыки. В XIX веке возникла программная музыка – произведение, в основе которого лежит литературная основа.

Программная музыка – род инструментальной музыки. Это музыкальные произведения, имеющие словесную, нередко поэтическую программу и раскрывающие запечатлённое в ней содержание. Программой может служить заглавие, указывающее, например, на явления действительности, которое имел в виду композитор («Утро» Э.Грига к драме Г.Ибсена «Пер Гюнт») или на вдохновившее его литературное произведение произведение («Ромео и Джульетта» П.И.Чайковского – увертюра – фантазия по одноимённой трагедии У.Шекспира).
Перейдём к работе с учебником. На стр. 109. вам предложена главная тема 1-й части концерта «Весна». Я напомню её звучание, сыграв на инструменте. Можно ли напеть эту мелодию? Давайте пропоём мелодию. Зная средства музыкальной выразительности, охарактеризуйте эту музыкальную тему (учащиеся дают характеристику мелодии, лада, длительностей, темпа, регистра, тембра). Повторяется ли эта тема? В какой музыкальной форме (рондо, вариации) написана 1-я часть концерта? Какой принцип развития (повтор или контраст) композитор использует в музыке 1-й части? Есть ли изобразительные эпизоды? Если есть, то определите их необходимость и подтвердите примером из литературного текста. Можете ли напеть мелодию, исполняемую солистом? (Трудноисполняемая, виртуозные пассажи, как порыв ветра, трели птиц). Сравните с графическим изображением мелодии (восходящее движение, мелкие длительности и т.д.). Необходимость создания программной инструментальной музыки появилась в Италии ещё в XVII веке. В тот момент, когда в опере вошли в моду изображения героических поступков и пасторальных идиллий, картин преисподней и природных сил – бушующего моря, шелестящей листвы; оркестру в таких сценах отводилась доминирующая роль. В сравнении с композиторами-инструменталистами эпохи барокко А.Вивальди обнаружил большой талант в этой области. Долгое время о Вивальди помнили благодаря И.С.Баху, который сделал несколько транскрипций его произведений. Были переложены шесть концерт Вивальди для фортепиано и органа, которые долгое время считались написанными самим Бахом. Творчество А.Вивальди оказало большое влияние на формирование творческого стиля И.С.Баха, особенно первые скрипичные концерты Вивальди.

Вы ещё раз обратитесь к музыке 1-й части концерта «Весна», но прослушивание будет необычным: вы будете и слушать, и смотреть фрагмент балета «Времена года» на музыку А.Вивальди в постановке выдающегося французского хореографа-постановщика Р. Пети. Балет исполняет Марсельская труппа.

Спектакль «Времена года» ставился разными хореографами на разную музыку. Многими композиторами была написана музыка на эту тему, это – А.Вивальди, П.И.Чайковский, А.Глазунов и др. Существовали разные версии постановок спектаклей: это четыре времени года, четыре времени жизни, четыре времени дня. Сегодняшний спектакль хореографа Р. Пети поставлен на тему Баланчина. Обратимся к Энциклопедии «Балет».

Джордж Баланчин, родился в 1904 году, американский балетмейстер. Его творчество способствовало формированию нового направления в хореографии. Ставил драматические, комедийные, фарсовые балеты, основанные часто на несложном сюжете, где действие раскрывалось средствами танца и пантомимы; стиль балета во многом определялся декоративным оформлением, в котором был определённый смысл. Это направление в его творчестве получило наибольшее развитие после 1934 года. Баланчин стал создавать балеты на музыку, которая не была предназначена для танца (сюиты, симфонии, том числе концерт «Времена года»). В этих балетах сюжет отсутствует, содержание раскрывается в развитии музыкально-хореографических образов.

Мысль о создании балета на тему Баланчина, бессюжетного балета, неоклассики, танца ради танца, посещала хореографа. Итог этого желания – создание балета «Времена года». Ролан – человек – импрессионист, поддающийся впечатления. Благодаря фантастической музыке А.Вивальди и творческой фантазии хореографа был поставлен сегодняшний спектакль. Одна из отличительных черт Р.Пети как балетмейстера – простота и ясность хореографического текста. Р.Пети – человек, который может творить абсолютно во всех направлениях и во всех жанра: он ставил танцы для кинофильмов, много ревю для мюзиклов, драматических спектаклей. Он ставил спектакли, где танец являлся чем-то божественным, тем, что приносит удовольствие и радость для тех, кто находится в зрительном зале. Р.Пети – человек, который обожает всё красивое. Для своей хореографии он руководствуется всегда только одним критерием – красота, гармоничное сочетание музыкальности и красоты.

Балет «Времена года» исполняется на одной из самых красивых площадей мира – площади Сан-Марко в Венеции. Божественная архитектура площади является декорацией к этому спектаклю. Артисты, которые исполняют спектакль, ушли в легенду, так как они были звёздами 70-80 годов. Это Доменик Кольфуни, Дэнис Ганьо, Луи Джебанино. Их творчество и талант высоко ценил Р. Пети. В частности, Доменик Кольфуни – одна из самых любимых балерин Пети. Д.Кольфуни была балериной Парижской Национальной оперы, но по просьбе Р.Пети уехала в Марсель. Для неё Р.Пети создал много спектаклей, в частности, спектакль «Моя Павлова». Как когда-то А.Павлова была идеалом для балетмейстера М.Фокина, такой же «Павловой» стала Д. Кольфуни для Р.Пети. (Просмотр фрагмента балета» Времена года», «Весна»).

Интерес музыкантов-профессионалов к музыке эпохи барокко не иссякает. В 1997 году известным итальянским клавесинистом и знатоком барокко Андреа Марконом был создан Венецианский барочный оркестра. Этот коллектив за четыре года приобрёл известность как одного из лучших ансамблей барочного инстументального исполнительства, в первую очередь, как убедительного интерпретатора музыки Антонио Вивальди. Многочисленные концерты и оперные постановки оркестра во многих странах Европы получили широкое признание не только в широкой слушательской среде, но и среди музыкальных критиков. Оркестр своими исполнениями подарил слушателям новое прочтение сочинений А.Вивальди, Ф.Кавалли, Б.Марчелло.

В минувшем концертном сезоне прошли концерты в 28 городах США со скрипачом Робертом Мак-Даффи, гастроли в Японии и Корее с участием скрипача Джулиано Карминьоло, была исполнена программа из сочинений Антонио Вивальди в одном из лучших концертных залов Амстердама – Concertogebouw. Участвуя в различных фестивалях Австрии, Швейцарии и Германии, оркестр выступил с такими известными солистами, как Магдалена Кожена, Чечилия Аартоли, Вивика Жено, Анна Нетребко, Виктория Муллова.
Обширная дискография оркестра удостоена многих престижных наград. Она включает в себя записи скрипичных концертов Вивальди и Локателли, альбом симфоний и концертов для струнных Вивальди, многие произведения композиторов эпохи барокко в исполнении выдающихся музыкантов современности.

Интерес к музыке А.Вивальди не иссякает. Его стиль узнаваем для широкого круга слушателей, музыка ярка и не теряет своих красок. Пример тому – обращение современного хореографа Р.Пети к музыке Вивальди и его прекрасная постановка балета «Времена года», создание новых инструментальных оркестров.

В чём секрет такой популярности музыки А.Вивальди? Слушая музыку композитора далёкого прошлого, что радовало и огорчало человека? К чему стремился, о чем он размышлял и как воспринимал мир? Музыка А.Вивальди, понятна музыка прошлого. Чувства, мысли переживания современного человека нисколько не изменились по сравнению с прошлым. Это радость жизни, восприятие окружающего мира, которое в музыки Вивальди позитивно и жизнеутверждающе. Концерты в творчестве А.Вивальди явились продолжением развития жанра инструментального концерта, получив законченную форму, ставшую образцом для последующих поколений европейских композиторов.

3. Домашняя работа: задание в творческой тетради по теме «Инструментальный концерт».

Инструментальный концерт

Само это слово вам, конечно, знакомо, особенно в первом его значении. «Концерт, - говорится в музыкальном словаре, - публичное исполнение произведений по заранее составленной программе».

Но дело в том, что у этого слова есть и другое значение: так называется сочинение для какого-либо музыкального инструмента (или голоса) в сопровождении оркестра. А вот почему оно так называется? И почему участники конкурса должны были играть именно концерт?

Слово это можно перевести как «состязание»», таким образом, «Концерт для фортепиано с оркестром» - это состязание пианиста с симфоническим оркестром.

Когда вам интересно смотреть спортивное состязание? Когда «противники» равны по силе, по мастерству, верно? Потому что если состязаются слабая и сильная команды или мастер спорта с новичком-любителем, то заранее уже ясно, кто победит. А это совсем не интересно.

В концерте состязаются какой-нибудь музыкальный инструмент и... целый симфонический оркестр. Вот так-так! Да разве какой-нибудь крохотке флейте или хрупкой, изящной скрипке под силу победить или хотя бы, говоря спортивным языком, «сделать ничью» с этакой громадой? Что же это за состязание?

Великолепное, друзья мои, замечательное состязание! Так как силе, мощи и блеску симфонического оркестра противопоставляются талант исполнителя-солиста, его мастерство, достигнутое годами и годами напряжённой работы. Скажу вам по секрету, что выигрывает почти, всегда тот, кто на первый взгляд кажется слабейшим. Солист подчиняет себе оркестр. Конечно, только в том случае, если он настоящий музыкант, талантливый исполнитель, потому что для него это очень серьёзное испытание. И когда нет мастерства и таланта, побеждает оркестр. Но какая это грустная победа. Победа есть, а музыки нет.

Музыка концерта. Каких только трудностей в ней не найдёшь! Сложные до головоломности пассажи, сильные аккорды, стремительно катящиеся гаммы... Это всё так называемые технические трудности, испытание беглости пальцев, силы удара, - словом, умения музыканта-исполнителя. И композитор, создавая концерт, всегда думает о том, чтобы музыкант мог в этом произведении показать все своё мастерство.

Однако если бы композитор думал только об этом, если бы концерт состоял только из одних задач и хитроумных головоломок, его нельзя было бы назвать настоящим произведением искусства. В таком произведении не было бы самого главного - мысли, содержания.

Вот что пишет о концерте Чайковский: «Тут есть две равноправные силы, то есть могучий, неисчерпаемо богатый красками оркестр, с которым борется и которого побеждает (при условии талантливости исполнителя) маленький, невзрачный, но сильный духом соперник. В этой борьбе много поэзии и бездна соблазнительных для композитора комбинаций».

Если бы страницы книги могли зазвучать после этих слов, мы сразу же услышали бы яркие, полнозвучные аккорды оркестра – начало Первого фортепианного концерта . С первыми звуками этой музыки словно сама радость врывается в зал. Каким маленьким и слабым кажется сидящий за роялем пианист. Мощное звучание оркестра словно отгородило его от зала плотной стеной.

И в эту ликующую массу звуков могучим колоколом влился новый голос. «Слушайте! - словно говорят нам размеренные, торжественные аккорды.- Слушайте! Вы не можете не слышать меня». И мы слышим, прекрасно слышим звучный, сильный голос рояля. Широкой мелодией разлились скрипки и, смиряя своё безудержное ликование, постепенно затих оркестр.

Теперь звучит один рояль... Сменяют друг друга виртуозные аккорды и пассажи, одевают мелодию в сверкающий, богатый наряд. Но и оркестр ещё не смирился. Он не уступит так просто, не сдастся без борьбы. Вспыхивает страстный спор. Главная тема слышна то в оркестре, то в партии рояля... Да, конечно, это, прежде всего замечательная музыка. Настоящая музыка, а не просто головоломные, виртуозные трюки.

Обычно музыка концерта - светлая, радостная и нарядная. Должна вам сказать, что слово «концерт» переводится не только как «состязание», но и как «согласие». А это значит, что состязание всегда дружеское.

Но, конечно, слушая концерт, вы порой и погрустите, и помечтаете, и задумаетесь над чем-то. Иногда музыка может быть и очень мрачной, даже трагической. Например, в скрипичном концерте Шостаковича или в Третьем фортепианном концерте , о котором мы ещё будем говорить. Однако это бывает гораздо реже.

Тонкий и выразительный музыкальный колорит концерта для скрипки Феликса Мендельсона сочетается здесь со строгостью формы. Композитор достиг здесь той высокой драматичности, которая позволяет говорить о его связи с бетховенскими симфоническими традициями. Вместе с тем концерт насыщен духом романтизма - от первой до последней ноты. В нем сосредоточились характернейшие черты творчества Мендельсона - лиричность, песенность, изящество, чувство красоты и гармоничности окружающего мира.

Концерт - большое, многочастное произведение (хотя бывают и одночастные концерты). Как правило, в нем три части. Первая – самая действенная, «главный участок борьбы». Вторая - медленная, лирическая. Часто её образы связаны с природой. Третья часть - финал. Музыка финала чаще всего особенно жизнерадостная, стремительная и блестящая.

Что напоминает такое строение? Ну конечно, симфонию! Маленькую симфонию. Только с новым действующим лицом - солистом.

В отличие от симфонии, в концерте есть так называемая каденция - большой эпизод, который солист исполняет без оркестра. Интересно, что в давние времена, когда форма концерта только начала зарождаться, каденцию сочинял не композитор, а сам исполнитель. Композитор же только указывал место, где она должна быть (обычно в первой части). Тогда каденция была как бы вставным номером, в котором солист показывал всё своё мастерство, демонстрировал возможности музыкального инструмента. Нетрудно догадаться, что музыкальные достоинства такой каденции были по большей части не особенно велики и в содержании произведения большой роли не играли.

Первым написал каденцию для пианиста в своём Четвёртом фортепианном концерте. С тех пор это стало правилом. Каденции перестали быть «чужими» в общей музыке концерта, хотя по сей день сохраняют виртуозность и блеск и по-прежнему дают возможность исполнителю показать настоящее мастерство, продемонстрировать все возможности музыкального инструмента, будь то рояль или флейта, скрипка или тромбон.

Мы говорим, что концерт - это состязание, но прежде всего это, конечно, серьёзнейшее испытание для солиста, серьёзный экзамен на звание настоящего музыканта-исполнителя.

Теперь вы, наверное, понимаете, почему исполнение концерта всегда входит в программу конкурсов.

И если солист настоящий, талантливый музыкант, тогда...

Текст Галины Левашевой.

Презентация

В комплекте:
1. Презентация - 10 слайдов, ppsx;
2. Звуки музыки:
Чайковский. Концерт для фортепиано с оркестром №1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (фрагмент), mp3;
Рахманинов. Концерт для фортепиано с оркестром №3. I. Allegro (фрагмент), mp3;
Мендельсон. Концерт для скрипки с оркестром. I. Allegro molto appassionato (фрагмент), mp3;
Бетховен. Концерт для фортепиано с оркестром №4. I. Allegro moderato. Каденция, mp3;
3. Сопроводительная статья, docx.

Посетители залов филармонии знакомы с особой, приподнятой атмосферой, которая царит во время концерта инструментальной музыки. Приковывает внимание то, как соревнуется солист с целым оркестровым коллективом. Специфика и сложность жанра состоит в том, что солист постоянно должен доказывать превосходство своего инструмента над другими, участвующими в концерте.

Понятие инструментального концерта, специфика

В основном, концерты пишут для богатых своими звуковыми возможностями инструментов - скрипки, фортепиано, виолончели. Композиторы стараются придать концертам виртуозный характер, чтобы максимально раскрыть художественные возможности и техническую виртуозность выбранного инструмента.

Однако инструментальный концерт предполагает не только соревновательный характер, но и точную согласованность между исполнителями солирующих и аккомпанирующих партий. Содержит в себе противоречивые тенденции:

Раскрытие возможностей одного инструмента в противопоставлении целому оркестру.
Совершенство и согласованность полного ансамбля.

Возможно специфика понятия "концерт" имеет двоякое значение, а все из-за двойственного происхождения слова:

Concertare (с латинского) - "состязаться";
Concerto (с итальянского), concertus (с латинского), koncert (с немецкого) - "согласие", "гармония".

Таким образом, "инструментальный концерт" в общем значении понятия - это музыкальное произведение, исполняемое одним или несколькими солирующими инструментами с оркестровым сопровождением, где меньшая часть принимающих участие противостоит большей или оркестру полностью. Соответственно, инструментальные "взаимоотношения" строятся на партнерстве и соперничестве с целью предоставления возможности каждому из солистов проявить виртуозность исполнения.

История возникновения жанра

В XVI веке впервые было использовано слово "концерт" для обозначения вокально-инструментальных произведений. История концерта, как формы ансамблевой игры, имеет древние корни. Совместное исполнение на нескольких инструментах с явным выдвижением солирующего "голоса" встречается в музыке многих народов, но изначально это были многоголосные духовные сочинения с инструментальным сопровождением, написанные для соборов и церквей.

Вплоть до середины XVII понятия "концерт" и "концертный" относились к вокально-инструментальным произведениям, а во 2-ой половине XVII века уже появились строго инструментальные концерты (сначала в Болонье, затем в Венеции и Риме), а это название закрепилось за камерными сочинениями для нескольких инструментов и сменило название на concerto grosso ("большой концерт").

Первым основателем концертной формы считают итальянца скрипача и композитора Арканджело Корелли, им был написан концерт в трех частях в конце XVII века в котором было деление на солирующие и аккомпанирующие инструменты. Затем в XVIII-XIX веках происходило дальнейшее развитие концертной формы, где наибольшей популярностью пользовалось фортепианное, скрипичное, виолончельное исполнение.

Инструментальный концерт в XIX-XX веке

История концерта, как формы ансамблевой игры, имеет древние корни. Длинный путь развития и становления прошел жанр концерта, подчиняясь стилевым тенденциям времени.

Концерт пережил свое новое рождение в творчестве Вивальди, Баха, Бетховена, Мендельсона, Рубинштейна, Моцарта, Сервэ, Генделя и др. У Вивальди концертное произведение состоит из трех частей, из которых две крайние достаточно быстрые, они окружают среднюю - медленную. Постепенно, занимающий солирующие позиции, клавесин заменяют оркестром. Бетховен в своих произведениях сблизил концерт с симфонией, в которой части слились в одну непрерывную композицию.

До XVIII века оркестровый состав был, как правило, случайным, по большей части струнным, и композиторское творчество напрямую зависело от состава оркестра. В дальнейшем образование постоянных оркестров, развитие и поиск универсального оркестрового состава способствовали становлению концертного жанра и симфонии, а исполняемые музыкальные произведения стали называть классическими. Таким образом, говоря об инструментальном исполнении музыкальной классики, подразумевают концерт классической музыки.

Филармоническое общество

В XIX веке в странах Европы и Америки активно развивалась симфоническая музыка, а для ее общественной широкой пропаганды стали создаваться государственные филармонические общества, способствующие развитию музыкального искусства. Основной задачей таких обществ, помимо пропаганды, было содействие развитию и организация концертов.

Слово "филармония" происходит от двух составляющих греческого языка:

Филармония сегодня - учреждение, как правило, государственное, ставящее перед собой задачи по организации концертов, пропаганде высокохудожественных музыкальных произведений и исполнительского мастерства. Концерт в филармонии - это специально организованное мероприятие, направленное на ознакомление с классической музыкой, симфоническими оркестрами, музыкантами-инструменталистами и вокалистами. Также в филармониях можно насладиться музыкальным фольклором, включающим песни и танцы.

Содержание статьи

КОНЦЕРТ (итал. concerto), одночастное или многочастное музыкальное произведение для одного или нескольких солирующих инструментов и оркестра. Происхождение слова «концерт» не вполне ясно. Возможно оно связано с итал. concertare («согласиться», «придти к согласию») или с лат. concertare («оспаривать», «бороться»). Действительно, взаимоотношения солирующего инструмента и оркестра в концерте содержат элементы и «партнерства», и «соперничества». Впервые слово «концерт» было применено в 16 в. для обозначения вокально-инструментальных произведений, в отличие от термина a cappella, который обозначал чисто вокальные сочинения. Концерты Джованни Габриели, написанные для собора св. Марка в Венеции, или концерты Лодовико да Виаданы и Генриха Шютца – это в основном многохорные духовные сочинения с инструментальным сопровождением. До середины 17 в. слово «концерт» и прилагательное «концертный» (concertato) продолжали относиться к вокально-инструментальной музыке, но во второй половине этого столетия сначала в Болонье, а потом в Риме и Венеции появились уже чисто инструментальные концерты.

Концерт эпохи барокко.

К началу 18 в. в обиход вошло несколько типов концерта. В концертах первого типа небольшая группа инструментов – концертино (concertino, «маленький концерт») – противопоставлялась большей группе, которая называлась, как и само произведение, кончерто гроссо (concerto grosso, «большой концерт»). Среди известных сочинений этого типа – 12 кончерто гроссо (op. 6) Арканджело Корелли, где концертино представлено двумя скрипками и виолончелью, а кончерто гроссо – более широким составом струнных инструментов. Концертино и кончерто гроссо связываются basso continuo («постоянным басом»), который представлен типичным для барочной музыки аккомпанирующим составом из клавишного инструмента (чаще всего клавесина) и басового струнного инструмента. Концерты Корелли состоят из четырех и более частей. Многие из них напоминают по форме трио-сонату, один из популярнейших жанров барочной камерной музыки; другие, состоящие из ряда танцев, более походят на сюиту .

Другой тип барочного концерта сочинялся для солирующего инструмента с аккомпанирующей группой, которая называлась ripieno или tutti. Такой концерт обычно состоял из трех частей, причем первая почти всегда имела форму рондо: вступительный оркестровый раздел (ритурнель), в котором экспонировался основной тематический материал части, целиком или фрагментами повторялся после каждого сольного раздела. Сольные разделы обычно давали исполнителю возможность блеснуть виртуозностью. Они часто развивали материал ритурнеля, но нередко состояли лишь из гаммообразных пассажей, арпеджио и секвенций. В конце части обычно появлялся ритурнель в своей исходной форме. Вторая, медленная часть концерта носила лирический характер и сочинялась в свободной форме, иногда в ней использовался прием «повторяющегося баса». Быстрая финальная часть часто бывала танцевального типа, и весьма часто автор возвращался в ней к форме рондо. Антонио Вивальди , один из самых знаменитых и плодовитых композиторов итальянского барокко, написал множество сольных концертов, в том числе четыре концерта для скрипки, известные под названием Времена года . У Вивальди есть также концерты для двух и более солирующих инструментов, где сочетаются элементы форм сольного концерта, кончерто гроссо и даже третьего типа концерта – только для оркестра, который иногда называли concerto ripieno.

Среди лучших концертов эпохи барокко можно назвать произведения Генделя , причем его 12 концертов (op. 6), опубликованные в 1740, написаны по образцу кончерто гроссо Корелли , с которым Гендель встречался во время своего первого пребывания в Италии. Концерты И.С. Баха, среди которых семь концертов для клавира, два для скрипки и шесть т.н. Бранденбургских концертов , в общем тоже следуют модели концертов Вивальди: их, как и произведения других итальянских композиторов, Бах изучал весьма ревностно.

Классический концерт.

Хотя сыновья Баха , особенно Карл Филипп Эмануэль и Иоганн Кристиан, сыграли важную роль в развитии концерта во второй половине 18 в., на новую высоту подняли жанр не они, а Моцарт . В многочисленных концертах для скрипки, флейты, кларнета и других инструментов, а особенно в 23 клавирных концертах Моцарт, обладавший неистощимой фантазией, синтезировал элементы барочного сольного концерта с масштабностью и логичностью формы классической симфонии. В поздних фортепианных концертах Моцарта ритурнель превращается в экспозицию, содержащую ряд самостоятельных тематических идей, оркестр и солист взаимодействуют как равноправные партнеры, в сольной партии достигается небывалая ранее гармония между виртуозностью и выразительными задачами. Даже Бетховен , который качественно изменил многие традиционные элементы жанра, явно рассматривал манеру и метод моцартовского концерта как идеал.

Бетховенский скрипичный концерт ре мажор (op. 61) начинается развернутым оркестровым вступлением, где основные идеи представлены в чеканной форме сонатной экспозиции. Начальная тема имеет маршеобразный вид, что типично для классического концерта, а у Бетховена данное качество подчеркнуто важной ролью литавр. Вторая и третья темы более лиричны и экспансивны, но в то же время сохраняют благородную изысканность, заданную первой темой. При вступлении солиста, однако, все изменяется. В результате неожиданного поворота на первый план выходят второстепенные мотивы оркестровой экспозиции, поданные в блестящей фактуре солирующего инструмента: каждый элемент переосмысливается и заостряется. Затем солист и оркестр соревнуются в развитии разных тем, а в репризе повторяют основной тематический материал как партнеры. Ближе к концу части оркестр замолкает, чтобы дать возможность солисту выступить с каденцией – протяженной импровизацией, цель которой продемонстрировать виртуозность и изобретательность солиста (в нынешнее время солисты обычно не импровизируют, а играют записанные каденции других авторов). Каденция по традиции заканчивается трелью, после которой следует оркестровое заключение. Бетховен, однако, заставляет скрипку напомнить лирическую вторую тему (она звучит на фоне спокойного оркестрового аккомпанемента) и после этого постепенно переходит к блестящему заключению. Вторая и третья части в концерте Бетховена связаны коротким пассажем, за которым следует каденция, причем подобная связка еще ярче оттеняет сильный образный контраст между частями. Медленная часть основана на торжественной, почти гимнической мелодии, которая дает достаточно возможностей для ее искусной лирической разработки в сольной партии. Финал концерта написан в форме рондо – это подвижная, «игровая» часть, в которой простая мелодия, своей «рубленой» ритмикой напоминающая о народных скрипичных наигрышах, перемежается с другими темами, хотя и контрастирующими с рефреном рондо, но сохраняющими общий танцевальный склад.

Девятнадцатый век.

Некоторые композиторы этого периода (например, Шопен или Паганини) полностью сохраняли классическую форму концерта. Однако они усвоили и новации, внесенные в концерт Бетховеном, такие, как сольное вступление в начале и интеграция каденции в форму части. Весьма важной чертой концерта в 19 в. стала отмена двойной экспозиции (оркестровой и сольной) в первой части: теперь в экспозиции оркестр и солист выступали вместе. Подобные новации характерны для больших фортепианных концертов Шумана, Брамса, Грига, Чайковского и Рахманинова, скрипичных концертов Мендельсона, Брамса, Бруха и Чайковского, виолончельных концертов Элгара и Дворжака. Другого рода нововведения содержатся в фортепианных концертах Листа и в некоторых произведениях других авторов – например, в симфонии для альта с оркестром Гарольд в Италии Берлиоза, в Фортепианном концерте Бузони, где вводится мужской хор. В принципе же форма, содержание и типичные для жанра приемы очень мало изменились в течение 19 в. Концерт устоял в соперничестве с программной музыкой, которая оказала сильное влияние на многие инструментальные жанры второй половины этого столетия.

Двадцатый век.

Художественные революции, совершившиеся в течение первых двух десятилетий 20 в. и периода после Второй мировой войны, не слишком сильно трансформировали основную идею и облик концерта. Даже концерты столь ярких новаторов, как Прокофьев , Шостакович , Копленд , Стравинский и Барток , не далеко отходят (если вообще отходят) от основных принципов классического концерта. Для 20 в. характерно возрождение жанра кончерто гроссо (в сочинениях Стравинского, Воан Уильямса, Блоха и Шнитке) и культивирование концерта для оркестра (Барток, Кодай, Хиндемит). Во второй половине века популярность и жизнеспособность жанра концерта сохраняются, и ситуация «прошлого в современности» типична в таких разных сочинениях, как концерты Джона Кейджа (для подготовленного фортепиано), Софии Губайдулиной (для скрипки), Лу Харрисона (для фортепиано), Филиппа Гласса (для скрипки), Джона Корильяно (для флейты) и Дьердя Лигети (для виолончели).