Абстрактные картины кандинского. Кандинский Василий. Биография, названия, описание картин. Знаменитые картины Василия Кандинского
«Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».
Художник на фоне картины «Маленькие радости». 1913 год
В 1900-м Кандинский поступил в Мюнхенскую академию живописи, в класс Франца фон Штука, одного из лучших немецких рисовальщиков. Учитель был доволен учеником, хотя и находил его палитру слишком яркой.
Активный, бьющий энергией Василий Кандинский как магнит притягивал к себе людей и как вирус заражал их своими идеями. Он организовал группировку «Фаланга», в которой сам устраивал выставки и сам преподавал. На одном из таких уроков и произошла встреча художника с ученицей Габриэлой Мюнтер, его второй женой.
С ней Кандинский путешествовал по Европе, посещал Америку и Россию. Затем вернулся в Баварию, поселился в Мурнау и продолжил эксперименты - писал экспрессионистские пейзажи окрестностей, пробовал себя в фовизме и абстракции.
Одесса. Порт. 1898. Государственная Третьяковская галерея
Ахтырка - Темное озеро. 1901. Мюнхен, Германия. Городская галерея в Лебаххаусе
Изар около Grosshessolohe. 1901. Мюнхен, Германия, Городская галерея в Ленбаххаусе
Синий всадник. 1903. Цюрих. Частная коллекция
«Синий всадник». 1911–1914
Так называлась картина, написанная Кандинским в 1903 году, альманах и художественное объединение, которые появились в 1911-м. Его вдохновители - друзья-художники Василий Кандинский и Франц Марк. Теперь «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, югендстиль и теософия Рудольфа Штайнера» , - писал живописец.
Мастерская художника стала научной лабораторией, в которой ставились опыты, ради получения нового знания. Не будем забывать, что Кандинский был ученым и поиск истины, взаимосвязь современных теорий и современного искусства были очень важны для него. Эти опыты вылились в книгу Кандинского «О духовном в искусстве» - первый труд художника, посвященный абстракции.
«Живопись есть искусство, и искусство в целом не есть бессмысленное созидание произведений, расплывающихся в пустоте, а целеустремленная сила; она призвана служить развитию и совершенствованию человеческой души… Живопись - это язык, который формами, лишь ему одному свойственными, говорит нашей душе о ее хлебе насущном».
В. Кандинский. «О духовном в искусстве»
Кандинский и революция. 1914–1921
С началом Первой мировой войны Кандинский расстается с Габриэлой Мюнтер и переезжает в Москву. Здесь в 1916 году он встречает Нину Андреевскую, свою третью жену. В послереволюционной России у Кандинского много дел: он сотрудничал с ИЗО Наркомпроса, создавал музеи современного искусства в 22 городах провинции, преподавал в «Свободных мастерских» и ВХУТЕМАСе.
Однако учение Кандинского в штыки восприняли конструктивисты Варвара Степанова, Александр Родченко и Любовь Попова, ставившие во главу угла рациональный подход. Живописец критиковал их в ответ: «Если художник использует абстрактные средства выражения, это еще не означает, что он абстрактный художник. Это даже не означает, что он художник. Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом» .
Проникновение социалистической идеологии в искусство Кандинскому не по душе. В декабре 1921 года он отбыл с женой в Берлин для организации там отделения Российской академии художественных наук. И больше в Россию не возвращался.
Мурнау. Сад. 1909. Швейцария, коллекция Мерцбахера
Картина с тремя пятнами.1914. Мадрид, Испания. Коллекция баронессы Тиссен
Смутное. 1917. Государственная Третьяковская галерея
Белая линия. 1920. Кёльн, Германия. Музей Людвига
Баухаус. 1922–1932
Вальтер Гропиус, основатель Высшей школы строительства и художественного конструирования (Баухаус), пригласил Кандинского возглавить мастерскую настенной живописи. Одновременно с преподаванием Василий Васильевич выпускает книгу «Точка и линия на плоскости», участвует в выставках в США и там же читает лекции.
В его живописи появляется больше геометрии, особенно кругов: «Круг, который я использую в последнее время столь часто, можно назвать не иначе как романтическим. И нынешняя романтика существенно глубже, прекраснее, содержательнее и благотворнее: она - кусок льда, в котором пылает огонь. И если люди чувствуют только холод и не чувствуют огня - тем хуже для них…»
В 1932 году пришедшие к власти в Германии национал-социалисты закрыли Баухаус - и чета Кандинских переехала во Францию.
Парижские годы. 1933–1944
Парижские мастера живописи восприняли приезд Кандинского весьма прохладно, поскольку не любили, во-первых, иностранцев, а во-вторых, абстракционизм. Поэтому художник общается только с друзьями и продолжает экспериментировать с кистью в руках. Краски на его картинах бледнеют, а формы становятся биоморфнее. Публика и коллеги по цеху не понимали и не принимали его искусство, но Кандинский оставался верен себе: «Абстрактное искусство создает рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с «действительностью». Внутри он подчиняется общим законам «космического мира». Так, рядом с «миром природы» появляется новый «мир искусства» - очень реальный, конкретный мир. Поэтому я предпочитаю так называемое «абстрактное искусство» называть конкретным искусством» .
Еще в 1910-е годы Кандинский создал четыре сценические композиции: «Зеленый звук», «Фиолетовый занавес», «Черный и белый» и «Желтый звук». Последняя считалась самой значительной и интересной. Ее либретто было опубликовано в альманахе «Синий всадник» в 1912 году.
В 1914-м Кандинский вместе с композитором Фомой Гартманом занимался подготовкой постановки «Желтого звука» в Мюнхене. По его замыслу, композиция гармонично соединяла музыку, цвет, пластику и слово, то есть оркестр, цветные проекторы, пантомиму и певцов. Но Первая мировая война нарушила планы Кандинского. Впервые это произведение было поставлено лишь 12 мая 1972 года в Музее Гуггенхайма.
В 2016 году весь мир отмечает юбилей Василия Васильевича Кандинского - основоположника и теоретика абстрактного искусства, одного из самых влиятельных художников ХХ века. К 150-летию абстракциониста Третьяковская галерея на Крымском валу и Государственный Эрмитаж подготовили проект, включающий выставку двух главных шедевров художника «Контрапункт: композиция VI – композиция VII», которую можно посетить с 13 апреля по 13 июня.
Система беспредметной живописи Кандинского включает три типа картин, воплощающих три стадии удаления от первоначального импульса, который дал толчок к их написанию: импрессии, импровизации и композиции. Лучшими работами живописца признаны «Композиция VI» и «Композиция VII». В России эти произведения последний раз демонстрировались вместе 27 лет назад.
«Без названия (Первая абстрактная акварель)», 1910
«Композиция X», 1939
Что нарисовано на картинах Кандинского?
Когда речь заходит об абстракционизме, многие далёкие от искусства люди сразу выносят свой категоричный вердикт: мазня. После этого обязательно следует фраза о том, что любой карапуз наверняка нарисует лучше, чем эти художники. При этом само слово «художники» обязательно будет произнесено с демонстративным презрением, которое в ряде случаев даже будет граничить с брезгливостью.
В рамках культурного ликбеза в этой статье рассказывается, что стремился отобразить на своих полотнах один из самых известных абстракционистов Василий Кандинский.
Картина «Композиция VI»
Год: 1913
Выставлена в музее: Эрмитаж, Санкт-Петербург
Изначально картину «Композиция VI» Кандинский хотел назвать «Потоп», поскольку в этой работе живописец намеревался изобразить катастрофу вселенского масштаба. И действительно, внимательно присмотревшись, мы можем увидеть очертания корабля, животных и предметов, будто тонущих в клубящихся массах материи, словно в волнах штормового моря.
Сам Кандинский впоследствии, говоря об этом полотне, отмечал, что «не было бы ничего более неверного, чем наклеить на эту картину ярлык первоначального сюжета». Мастер особо указывал, что в данном случае исходный мотив картины (Потоп) был растворён и перешёл ко внутреннему, чисто живописному, самостоятельному и объективному существованию. «Грандиозная, объективно совершающаяся катастрофа есть в то же время абсолютная и обладающая самостоятельным звучанием горячая хвалебная песнь, подобная гимну нового творения, который следует за катастрофой», - объяснял Кандинский. В итоге живописец решил присвоить полотну номерное название, так как любое другое могло вызвать у ценителей искусства ненужные ассоциации, которые бы испортили им те эмоции, которые должна вызывать картина.
Картина «Композиция VII»
Год: 1913
«Композицию VII» называют вершиной художественного творчества Кандинского в период до Первой мировой войны. Поскольку создавалась картина очень кропотливо (ей предшествовали более тридцати эскизов, акварелей и работ маслом), финальная композиция является комбинацией из нескольких библейских тем: воскрешения из мёртвых, Судного Дня, всемирного потопа и райского сада.
Идея души человека отображается в смысловом центре полотна, круговороте, намеченном фиолетовым пятном и чёрными линиями и штрихами рядом с ним. Он неминуемо затягивает в себя, как воронка, извергающая некие зачатки форм, растекающиеся бесчисленными метаморфозами по всему холсту. Сталкиваясь, они сливаются или, наоборот, разбиваются друг о друга, приводя в движение соседние... Это словно сама стихия Жизни, возникающая из Хаоса.
Картина «Композиция VIII»
Год: 1923
Выставлена в музее: Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк
«Композиция VIII» кардинально отличается от предыдущей работы этой серии, ведь в ней вместо размытых очертаний впервые присутствуют чёткие геометрические формы. Главная идея как таковая в этой работе отсутствует, вместо неё сам художник даёт конкретное описание фигур и цветов картины. Так, по Кандинскому, горизонтали звучат «холодно и минорно», а вертикали - «тепло и высоко». Острые углы - «теплы, остры, активны и желты», а прямые - «холодны, сдержанны и красны». Зелёный цвет «уравновешен и соответствует тонким звукам скрипки», красный «может создавать впечатление сильного барабанного боя», а синий присутствует «в глубине органа». Жёлтый «обладает способностью подниматься выше и выше, достигая высот, невыносимых для глаза и духа». Синий «опускается в бездонные глубины». Голубой же «развивает звук флейты».
Картина «Смутное»
Год: 1917
Выставлена в музее: Государственная Третьяковская галерея, Москва
Название «Смутное» было выбрано для картины не случайно. Неясность и «смута» отображены в работе Кандинского драматическим столкновением центростремительных и центробежных сил, словно разбивающихся друг о друга в центре полотна. Это вызывает ощущение тревоги, нарастающее по мере «вживания» в произведение. Масса дополнительных цветов осуществляет своеобразную оркестровку главной борьбы, то усмиряя, то обостряя смуту.
Картина «Импровизация 20»
Год: 1911
Выставлена в музее: Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва
В своих работах серии «Импровизация» Кандинский стремился показать бессознательные процессы внутреннего характера, возникающее внезапно. А двадцатой работе этой категории художник изобразил впечатление своей «внутренней природы» от бега двух лошадей под полуденным солнцем.
Коллекция. Василий Кандинский
Художник нового искусства, абстракционист, переживший войны и революции. Большевики называли его живопись «дегенеративной». В труде - «О духовном в искусстве» - Кандинский раскрывает психологическое воздействие чистого цвета на человека, находит связь между живописью и музыкой. Кандинский мастер «композиций», «импровизаций» и «впечатлений».
Обеспеченная, благополучная семья с ранних лет поддерживала стремления Василия Кандинского к искусству. Однако, в будущем он должен был стать юристом. Юноша блестяще окончил Московский Университет, после чего преподавал.
Судьба Василия Кандинского вновь вернула его к искусству, когда в 1895 году состоялась выставка французских импрессионистов. Василий Кандинский был поражен произведением Моне – «Стога». Оставив Университет, он еден в Мюнхен, обучаться живописи. В те времена Мюнхен считался центром европейского искусства, в 1892 году было организовано модернистское объединение художников – Сецессион.
Два года обучался русских художник у югославского живописца Антона Ашбе, всё более увлекаясь творчеством, а не техникой исполнения. Первые импрессионистские работы отличались особой цветовой гаммой, Кандинский придавал большое значение не форме, колориту картины. Вот и позднее, когда Кандинский брал уроки у знаменитого Франца Фон Штука (художник Сецессиона), ему пришлось оставить свою яркую палитру и писать в чёрно-белой гамме, изучая форму. Эти требования были установлены учителем, считавшим Кандинского хорошим учеником, но обладавшего не удачной способностью яркого колорита.
Кандинский провёл четыре года в Мюнхене, но не осталось никаких работ того времени. Остаётся загадкой, какова их судьба, были ли они уничтожены художником или утеряны.
Закончив учёбу в возрасте 35 лет, Василий Кандинский создаёт своё движение художников-абстракционистов под названием «Фаланга», что сделало его лидером мюнхенского братства художников. В 1901 году, в Берлине состоялась первая выставка ассоциации, на которой были представлены работы импрессионистов и откровения немецкого «югендстиля». В это время художник встретил молодую художницу Габриэлу Мюнтер, развёлся с женой. 5 лет он путешествовал с Габриэлой по Европе, занимаясь живописью и участвовал в выставках.
В 1908 году Кандинский с Габриэлой вернулись в Мюнхен, случилось так, что они поселились недалеко от студии художника Пауля Клее. Спустя десять лет они вместе работали в «Баухаузе», став единомышленниками. Габриэла купила дом, они прожили в нём 6 лет. Дом находился в Марнау, недалеко от подножия Баварских Альп. Этот период стал самым продуктивным в жизни художника. Художник всё больше переходил от конкретного изображения к абстракции.
В 1911 году, вместе с другом художником Францем Марком, Кандинский организовал группу «Синий всадник». Художники смогли организовать только две выставки.
В 1912 году состоялась первая персональная выставка. Зритель не принял картин Кандинского, что повергло его в глубокое уныние.
Началась Мировая война и Кандинский переехал из Германии в Швейцарию. Здесь он начал работу над книгой «Точка и линия». К ноябрю 1914 года он расстаётся с Габриэлой и едет в Москву, почти два года художник не занимался живописью.
В 1916 году Кандинский познакомился с Ниной Андреевской, дочерью русского генерала, спустя год женится на ней. Получив наследство после смерти отца, художник тут же потерял средства на существование, большевики конфисковали всё имущество. Оказавшись за чертой бедности Кандинский впал в отчаяние. Энтузиазм жены спас Кандинского. Он приступает к работе в Наркомате просвещения, став руководителем секции кино и театра. Затем был приглашён в Московский университет на должность профессора, организовав в это же время Институт художественной культуры. Благодаря Кандинскому были открыты около 22 художественных галерей в России. Но, к сожалению, все усилия Кандинского найти себя в своей стране не увенчались успехом, абстракционизм был объявлен «упаднечиским», а Кандинского называли «приспешником буржуазии». И в 1921 году, получив предложение на место преподавателя в «Баухаузе», в Веймаре, Кандинский покидает страну.
Сложная была судьба «Баухауза». В 1924 году по политическим соображениям школа подверглась нападкам, и её пришлось перевести в Дессау, там она просуществовала до 1932 года. Под давлением местных нацистов школу перевели в Берлин. В апреле 1833 года она окончательно была закрыта. Кандинский с женой покидает Германию из соображений безопасности, они поселяются в пригороде Парижа.
Много критики Василий Кандинский слышал в свой адрес, галереи не брали работ художника. Но, несмотря на всё, художник работал до конца жизни, оставаясь преданным творчеству.
Известные произведения Василия Васильевича Кандинского
Картина «Импровизация 21А» написана русским художником в 1911 году, находится в Государственной галерее Ленбаххауз, в Мюнхене. Картина была написана в период утверждения Кандинского - абстракциониста. По сути это реакция художника на окружающий его мир, основанная на впечатлениях и интуиции.
С первого взгляда, кажется, что картина абсолютно отвлечена от реальных предметов, но если всмотреться, начинают вырисовываться изображения. Например, в центре видна гора. Яркие цветовые пятна очерчиваются чёрным контуром – характерная черта живописи Кандинского во всём последующем творчестве. Ещё одно конкретное изображение – стилизованная фигура человека в неестественном расположении.
Картина «В сером» выполнена в 1919 году, находится в Национальном музее современного искусства, в Центре им. Ж. Помпиду, в Париже. Её можно причислить к картинам «русского периода» (1915-21). Эта картина ознаменовала завершение периода изучения взаимодействия форм Кандинским. Художник замыслил «композицию», состоящею из изображений – гор, фигур людей, лодок. По завершению работы картина превратилась в абстракцию с более мягким колоритом по сравнению с предыдущими работами.
В картине строгие геометрические фигуры заменяются биоморфными формами, характерно для живописи художника в парижские годы. Колорит звучит в приглушённых серых, коричневых и голубых тенях. Композиция сменяется хаосом.
Картина «Вибрация» выполнена в 1925 году, находится в Галерее Тейт, в Лондоне. На картине изображены геометрические фигуры, о которых художник пишет в «Точке и линии».
Контакт между острым треугольником и кругом производит не меньшей эффект, чем палец Бога протянутый Адаму на картине Микеланджело.
В. Кандинский
Самый яркий предмет – шахматная доска. Сложная структура достигнута единством формы и цвета. Сама картина выполнена в приглушённых тонах. Напряжение передается путём сопоставления форм и цвета. Доминируют круги, как неисчерпаемые скрытые возможности (Кандинский).
Картина «Вверх» написана в 1929 году, из собрания Пегги Гуггенхейм, в Венеции. В «Баухаузовский» период художник в основном писал картины, состоящие из геометрических фигур. «Вверх» - это изображение человека, сложившееся из геометрических фигур. Здесь видно влияние живописи Пауля Клее. Прослеживается теория «Точки и линии на плоскости». Когда Кандинский изображал фон, он стремился вырваться из тесных рамок, в которые сам загнал себя в «Баухаузе». Что удалось ему позднее в Париже.
Шедевр Кандинского В.В. – картина «Деталь для Композиции IV»
Картина исполнена в 1910 году, находится в Галерее Тейт, в Лондоне. Второе название – «Казаки». Сам художник говорил, что сюжет этой картины был взят им из событий революции 1905 года, когда казаки скакали по улицам Москвы. Перед зрителем два сражающихся казака, под ними – радуга, образующая дорогу, ведущая к дворцу на голубом холме. Справа – ещё трое казаков. У двоих из них пики. Элементы картины трудно распознаваемы, что заставляет зрителя долго пристально смотреть на изображения, постепенно погружаясь в сюжет. Абстракция предполагает отвлечение от реальных форм и творческое выражение в геометрических элементах.
Рекордная продажа картины «Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича на торгах аукционного дома Christie’s в мае 2018 года стала для нас поводом собрать воедино ценовые достижения продаж работ русских художников. Какие максимальные суммы заплатили в разные годы покупатели за работы Валентина Серова, Марка Шагала, Николая Рериха, Василия Кандинского, Натальи Гончаровой?
Накал страстей на торгах Christie’s был нешуточный. Помимо непосредственной борьбы за «Супрематическую композицию» искусствоведы и галеристы ждали, побьет ли работа Кандинского ценовой рекорд продаж русских художников, установленный работой Марка Ротко в 2012 году? Рекорд остался прежним: цена «вопроса» - разница в 1 миллион долларов.
1. Марк Ротко
Первое место в списке самых дорогих русских художников шестой год занимает знаменитый мастер живописи цветового поля Марк Ротко. Его полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, было продано на торгах Christie’s 8 мая 2012 года за 86,88 миллиона долларов. Ценители искусства Ротко регулярно голосуют полновесным долларом за желание приобщиться к феномену этого загадочного художника. Картина «Оранжевое, красное, желтое» знаменита еще и тем, что стала самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое
1961, 236.2×206.4 см
2. Казимир Малевич
«Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича стала самым дорогим лотом на распродаже Christie’s, прошедшей 15 мая 2018 года. Таким образом, Малевич остался номером 2 в ТОП-10 самых дорогих русских художников: хотя цена самой дорогой его работы поднялась с 60 млн долларов на торгах в 2008 году до 85,8 млн долларов в 2018, и всего 1 миллиона не хватило, чтобы Малевич возглавил список.
Картину приобрела частная галерея «Леви Горви», установив новый ценовой потолок для работ русского абстракциониста.
Казимир Северинович Малевич. Супрематическая композиция
1916, 88.5×71 см
Появляясь на аукционах, работы Казимира Малевича всегда создают ажиотаж. Так было и в 2015 году, когда неизвестный покупатель приобрел на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке полотно «Мистический супрематизм» (1922). За картину, принадлежавшую наследникам художника, было заплачено 37,7 млн долларов.
Казимир Северинович Малевич. Мистический супрематизм
1922, 100.5×60 см
В том же 2015 году, 24 июня был побит предыдущий максимум, который платили за Малевича на открытых торгах. За картину «Супрематизм. 18-я конструкция» (1915), которую также продавали наследники Малевича, на торгах Sotheby’s в Лондоне неизвестный покупатель заплатил 33,8 млн долларов.
Казимир Северинович Малевич. Супрематизм 18-я конструкция
1915, 53.3×53.3 см
3. Василий Кандинский
21 июня 2017 года на торгах Sotheby’s «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского была продана за 41,8 миллиона долларов. Она побила рекорд того же аукциона: за 20 минут до этого полотно «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом» (1909) «отца абстракции» было продано за 26,4 млн долларов. Эти две работы знаменуют переломные моменты как в творчестве художника, так и во всём искусстве XX века, и входят в небольшое число значительных картин Кандинского, остающихся в частных руках.
Василий Кандинский. Картина с белыми линиями
1913, 119.5×110 см
Василий Кандинский. Мурнау. Пейзаж с зелёным домом
1909
Рекорд по продажам картин Кандинского держался с 2012 года, когда его картина «Эскиз к импровизации № 8» была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 23 миллиона долларов.
Василий Кандинский. Эскиз для "Импровизации 8"
1909, 98×70 см
А до 2012 года самой дорогой картиной Василия Кандинского была «Фуга» (1914). За нее 17 мая 1990 года на торгах аукционного дома Sotheby’s заплатил 20,9 млн долларов швейцарский коллекционер Эрнст Бейлер.
Василий Кандинский
1914, 129.5×129.5 см
4. Марк Шагал
На вечерней распродаже произведений импрессионистов Sotheby’s 14 ноября 2017 года одна из ранних картин Шагала «Влюблённые» (1928) была продана за рекордные 28,5 млн долларов при эстимейте от 12 млн до 18 млн долларов. Война ставок между тремя претендентами длилась более десяти минут. На картине (Les Amoureux) художник изобразил себя со своей музой и первой женой Белой Розенфельд. Полотно было приобретено вскоре после завершения через парижскую галерею Bernheim Jeune & Cie. С и тех пор оно оставалось во владении одной семьи.
Марк Захарович Шагал. Влюблённые
1928
Предыдущий «потолок» для открытых торгов картинами Шагала был достигнут еще в 1990 году. Тогда на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке японский бизнесмен и рьяный коллекционер работ Марка Шагала, Хиронори Аоки, купил картину «Юбилей» (1923). Новая жемчужина коллекции японца (около 30 картин Шагала) обошлась ему около 14 млн долларов.
Марк Захарович Шагал. Юбилей
1915, 80.8×100.3 см
5. Хаим Сутин
11 мая 2015 года на торгах Christie’s в Нью-Йорке полотно Хаима Сутина «Бычья туша» («Le Bœuf»), написанное около 1923 года, было продано за 28,2 млн долларов, не превысив верхнюю планку эстимейта в 30 млн. Созданное в период с 1923 по 1925 год, полотно является одной из девяти картин с бычьими тушами, написанными Сутиным с натуры. Только три картины из этой серии находятся в частном владении.
Хаим Соломонович Сутин. Бычья туша
1923, 81×60 см
6. Алексей Явленский
На момент продажи картины Алексея Явленского «Шокко в широкополой шляпе» специалисты называли эту сделку «инвесторской удачей». Если в 2003 году картину приобрели на Sotheby’s за 8,3 млн долларов, то на торгах этого же аукционного дома 5 февраля 2008 года цена на «Шокко» взлетела более чем в 2 раза и составила почти 18,6 млн долларов. Тогда многие подчеркивали способность цен стремительно расти одновременно с интересом к творчеству художника. Возможно, после экспозиции в Русском музее, открывшей творчество Явленского широкой публике, интерес к его работам у русских коллекционеров вырастет еще больше.
Алексей Георгиевич Явленский. Шокко в широкополой шляпе
1910, 75×65.1 см
7. Валентин Серов
«Портрет Марии Цетлиной» (1910), написанный знаменитым русским живописцем, был продан на Christie’s 24 ноября 2014 года. Сумма, вырученная за картину - чуть более 14,5 млн долларов - стала рекордом специализированных «русских торгов», которые Christie’s регулярно проводит в Лондоне.
Валентин Александрович Серов. Портрет Марии Цетлиной
1910, 109×74 см
8. Николай Рерих
Продажа картины Николая Рериха «Мадонна Лаборис» (1931) стала рекордом продаж произведений русских живописцев аукционным домом Bonhams. 5 июня 2013 года в Лондоне этот лот ушел с молотка за 12 млн долларов. До того момента максимальная цена работ Николая Рериха составляла порядка 3,4 млн долларов (2007 года). И вот 6 лет спустя на торги Bonhams была выставлена очень известная, даже хрестоматийная вещь, которая с 1930-х годов была недоступна широкой публике. Несмотря на то, что уменьшенная копия «Мадонны Лаборис» выставляется в Музее Рерихов в Нью-Йорке, обладание оригиналом и история, провенанс работы, определенно повлияли на высокие результаты торгов.
Николай Константинович Рерих. Мадонна Лаборис (Труды Богоматери)
1931, 8.4×12.4 см
9. Наталья Гончарова
Единственное женское имя, попавшее в список десяти самых дорогих русских художников - «амазонка авангарда» Наталья Гончарова. На протяжении десяти последних лет ее работа «Цветы» (1912) остается самой дорогой среди картин русских художниц, реализованных на открытых торгах. Произведение было продано на аукционе Christie’s в Лондоне 24 июня 2008 года почти за 10,9 млн долларов, ненамного превысив верхнюю планку эстимейта.
Наталья Сергеевна Гончарова. Цветы
1912, 72.7×93 см
10. Николай Фешин
Завершает десятку самых дорогих русских художников Николай Фешин и его картина «Маленький ковбой». С результатом в 10,8 млн долларов полотно было продано на аукционе Macdougall’s в Лондоне 2 декабря 2010 года - самый дорогой лот русского искусства, когда-либо проданный этим аукционным домом. Вдобавок к этому, картина оказалась и топ-лотом всей русской недели того года в Лондоне. С верхним пределом эстимейта в 700 тысяч фунтов, «Маленький ковбой» вызвал огромный ажиотаж и был куплен коллекционером из России.
Николай Иванович Фешин. Маленький ковбой
1940, 7.6×5.1 см
Подготовлено по материалам публикаций artinvestment.ru, sothebys.com, christies.com, macdougallauction.com, bonhams.com, tass.ru, собственным публикациям Артхива. Титульная иллюстрация: коллаж из работ Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1961), Казимира Малевича «Супрематическая композиция» (1916), Василия Кандинского «Картина с белыми линиями» (1913).
Русский художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров авангарда первой половины 20 в.; вошел в число основоположников абстрактного искусства.
Родился в Москве 22 ноября (4 декабря) 1866 в семье коммерсанта; принадлежал к роду нерчинских купцов, потомков сибирских каторжан. В 1871–1885 жил с родителями в Одессе, где еще в гимназические годы начал заниматься музыкой и живописью. С 1885 учился в Московском университете, мечтая о карьере юриста, но ок. 1895 решил посвятить себя искусству. Определили его выбор два момента: во-первых, впечатления от русских средневековых древностей и художественного фольклора, полученные в этнографической экспедиции по Вологодской губернии (1889), во-вторых, посещение французской выставки в Москве (1896), где он был потрясен картиной К.Моне Стог сена. В 1897 приехал в Мюнхен, где с 1900 занимался в местной Академии художеств под руководством Ф.фон Штука. Много путешествовал по Европе и Северной Африке (1903–1907), с 1902 жил в основном в Мюнхене, а в 1908–1909 в селе Мурнау (Баварские Альпы). Органично войдя в среду немецкой модернистской богемы, выступал и как активный организатор: основал группы «Фаланга» (1901), «Новое мюнхенское художественное объединение» (1909; совместно с А.Г.Явленским и др.) и, наконец, «Синий всадник» (1911; совместно с Ф.Марком и др.) – общество, ставшее важным соединительным звеном между символизмом и авангардом. Публиковал художественно-критические Письма из Мюнхена в журналах «Мир искусства» и «Аполлон» (1902, 1909), участвовал на выставках «Бубнового валета».
От ранних, уже достаточно ярких и сочных импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры (Пестрая жизнь, 1907, Ленбаххаус, Мюнхен; Дамы в кринолинах, 1909, Третьяковская галерея). В 1910 создал первые абстрактные живописные импровизации и завершил трактат О духовном в искусстве (книга была опубликована в 1911 на немецком языке). Считая главным в искусстве внутреннее, духовное содержание, полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе его последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» (как сам Кандинский различал циклы своих работ) лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин маслом и акварелей строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов (типа всадника, ладьи, палитры, церковного купола и т.д.). Большое внимание мастер всегда уделял графике, в том числе гравюре на дереве. В своем немецком поэтическом альбоме стихов Звуки (Klänge, 1913) стремился к идеальной взаимосвязи беспредметных визуально-графических образов с текстом. Цели синтеза искусств ставил и в замысле спектакля Желтый звук, призванного объединить цвет, свет, движение и музыку (композитора Ф.А.Гартмана; спектакль, текст которого был помещен в альманахе Синий всадник, 1912, не осуществился из-за начала Первой мировой войны).
В 1914 вернулся в Россию, где жил в основном в Москве. Своеобразная «апокалиптика», чаяния всеобщего преображения-в-искусстве, характерные для его абстракций, приобретают в этот период все более тревожный и драматический характер (Москва. Красная площадь, 1916, Третьяковская галерея; Смутное, там же; Сумеречное, Русский музей; Серый овал, Картинная галерея, Екатеринбург; все работы – 1917). В 1918 издал автобиографическую книгу Ступени. Активно включился в общественную и гуманитарно-исследовательскую деятельность, входил в состав Наркомпроса, Института художественной культуры (Инхук) и Российской академии художественных наук (РАХН), преподавал в Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас), однако, раздраженный идеологическими склоками, покинул Россию навсегда после того, как был послан в командировку в Берлин (1921).
В Германии преподавал в «Баухаусе» (с 1922, в Веймаре и Дессау), занимаясь в основном общей теорией формообразования; изложил свой педагогический опыт в книге Точка и линия на плоскости, изданной на немецком языке в 1926. Его космологические фантазии (графическая серия Малые миры, 1922) обретают в этот период более рационально-геометричный характер, сближаясь с принципами супрематизма и конструктивизма, но сохраняя свою яркую и ритмичную декоративность (В черном квадрате, 1923; Несколько кругов, 1926; обе картины – в Музее С.Гуггенхейма, Нью-Йорк). В 1924 мастер образовал вместе с Явленским, Л.Фейнингером и П.Клее объединение «Синяя четверка», устраивая с ними совместные выставки. Выступил как художник сценической версии сюиты М.П.Мусоргского Картинки с выставки в театре Дессау (1928).
После закрытия нацистами «Баухауса» (1932) переехал в Берлин, а в 1933 – во Францию, где жил в Париже и его пригороде Нёйи-сюр-Сен. Испытав значительное воздействие сюрреализма, все чаще вводил в свои картины – наряду с прежними геометрическими структурами и знаками – биоморфные элементы, подобные неким первичным организмам, парящим в межпланетной пустоте (Доминирующая кривая, 1936, там же; Голубое небо, 1940, Центр Ж.Помпиду, Париж; Разнообразные действия, 1941, Музей С.Гуггенхейма, Нью-Йорк). С началом немецкой оккупации (1939) намеревался эмигрировать в США и провел несколько месяцев в Пиренеях, но в итоге вернулся в Париж, где продолжал активно работать, в том числе над проектом комедийного фильма-балета, который намеревался создать совместно с композитором Гартманом.