Музыкальные жанры: Опера. Основные жанры русской оперы Структура оперного произведения

02.07.2020

КУРСОВОЙ РЕФЕРАТ СТУДЕНТКИ III-го КУРСА ФАКУЛЬТЕТА КНМТ (з/о), ГРУППЫ №12 (Академический хор) ТАРАКАНОВОЙ Е.В.

КАФЕДРА ТЕОРИИ И ИСТОРИИ МУЗЫКИ

МОСКОВСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ КУЛЬТУРЫ

(МГУК)

ОПЕРА (итал. opera, буквально- сочинение, произведение, от лат. opera- труд, изделие)- вид синтетического искусства; художественное произведение, содержание которого воплощается в сценических музыкально-поэтических образах.

Опера соединяет в едином театральном действии вокальную и инструментальную музыку, драматургию, изобразительные искусства, нередко и хореографию. В Опере находят многообразное воплощение различные формы музыки- номера сольного пения (ария, песня (каватина) и т.д.), речитативы, ансамбли, хоровые сцены, танцы, оркестровые номера…

(из интернет-глоссария "Классическая музыка")

Никто не знает, кто сочинил первую симфонию или первый концерт. Эти формы развились постепенно, на протяжении XVII-XVIII веков. Но совершенно точно известно, что первая опера - "Дафна" - была написана итальянским композитором Якопо Пери и впервые исполнена во Флоренции в 1597 году. Это была попытка вернуться к простоте древнегреческой драмы. Люди, объединенные в общество "Camerata" ("Компания"), находили переплетение средневековой церковной музыки и светских мадригалов слишком сложным и сковывающим подлинные чувства. Их лидер Джованни де Барди выразил кредо своих сторонников в следующих словах: "При сочинительстве вы должны ставить перед собою цель слагать стихи так, чтобы слова произносились настолько доступно, насколько это возможно".

Партитура "Дафны" не сохранилась, но важно то, что уже спустя небольшое время после первого исполнения новый жанр прочно утвердился.

Опера зародилась в результате попытки возродить элегантность и простоту древнегреческой трагедии, которая рассказывала истории богов и мифологических героев в драматической форме. В качестве комментатора в ней выступал Хор. К сожалению, время не сохранило для нас музыку ушедшей Античности. Даже музыкальные модели, созданные с применением новейших компьютерных технологий, не в состоянии показать нам, как на самом деле звучала музыка в ту далёкую и интересную эпоху, когда даже простолюдины выражались гекзаметром, а простые смертные общались с богами, сатирами, нимфами, кентаврами и прочей мифологической публикой также просто, как наши современники с соседями по дачному участку.

В конце XVI века группа итальянских дворян пожелала освободить музыку от средневековой усложненности и возобновить дух чистоты, которую они находили в древнегреческих пьесах. Так было соединено искусство песни с драматическим повествованием, в результате чего родилась первая опера. С того времени греческие драмы и легенды вдохновляли многих композиторов, в том числе Глюка, Рамо, Берлиоза и Стравинского.

Первые оперные начинания получили свое развитие, прежде всего, в творчестве такого великого композитора своего времени, как Монтеверди, который написал свою первую оперу "Орфей" в 1607 году и последнюю - "Коронация Поппеи" - в 1642 году. Монтеверди и его современники установят классическую оперную конструкцию, действующую и поныне:

квартеты;

ансамбли…

в них герои выражают свои эмоции.

речитативы;

в них объясняются происходящие события (по традициям Хора из античной драмы).

оркестровые увертюры;

прелюдии…

включались программу представления, чтобы дать зрителям возможность рассесться по местам.

интерлюдии;

антракты…

сопровождали смену декораций.

Все перечисленные пункты чередуются и повторяются в соответствии с правилами музыкальной драматургии.

Цель настоящей работы - проследить развитие различных жанров оперного искусства в историческом разрезе и через творчество различных композиторов, творчество которых по праву считается вехами в истории оперной музыки.

Естественно, что опера получила свое наибольшее развитие именно в Италии, где она родилась, в стране, язык которой очень мелодичен и певуч.

Но вскоре этот музыкальный жанр распространился в других странах Европы, особенно во Франции, где Людовик XIV оценил возможности оперы с пышными декорациями, танцевальными номерами, дополнявшими чисто музыкальную сторону спектаклей. Его придворным композитором был Жан Батист (Джованни Батиста) Люлли, итальянец по рождению, прошедший путь от мальчишки - кухонного подсобника до бесспорного законодателя французской музыки. Люлли сделал себе состояние, покупая право на каждую оперу, исполняемую в стране.

Английская опера развивалась из королевского театра масок. Развлекательная церемония состояла из театрального представления, танцев и музыки. Персонажами были мифологические герои. Декорации и костюмы были необыкновенно изысканными. Английский театр масок достиг совершенства в начале XVII века. По своей форме эти представления были очень схожи с оперой: так, например, в них использовали речитатив и оркестровые интерлюдии.

В Англии Гражданская война 1640-х годов и последующие годы правления пуританского режима Кромвеля задержали развитие оперы. Исключением стал Генри Пёрселл и его опера "Дидона и Эней", написанная в 1689 году для девичьей школы в Челси, вплоть до тех пор, пока Бриттен не написал 250 лет спустя "Питера Граймза".

Примерно к 1740 году итальянская опера в Лондоне пришла в упадок. "Опера нищего" Джона Пепуша (либретто Джона Гея), поставленная в 1728 году, нанесла сокрушительный удар по помпезности прежней итальянской оперы: с появлением на сцене разбойников, их подруг и т.д. стало уже невозможным увлечь зрителя напыщенными героями из античной мифологии. Гендель попытался основать в Лондоне другой итальянский оперный театр, однако попытка не увенчалась успехом.

На континенте опера не знала перерывов в своем развитии. После Монтеверди в Италии один за другим появились такие оперные композиторы, как Кавалли, Алессандро Скарлатти (отец Доменико Скарлатти, крупнейший из авторов произведений для клавесина), Вивальди и Перголези. Во Франции на смену Люлли пришел Рамо, господствовавший на оперной сцене всю первую половину 18 века. Хотя в Германии опера была менее развита, друг Генделя Телеман написал не менее 40 опер.

К началу ХVIII века, когда талант Моцарта достиг своего расцвета, опера в Вене разделилась на три основных направления. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria), где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской комедии (commedia dell"arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного немецкого языка. Еще до того, как началась оперная карьера Моцарта, Глюк выступал за возврат к простоте оперы XVII века, сюжеты которой не приглушались длинными сольными ариями, задерживающими развитие действия и служившими для певцов лишь поводами для демонстрации силы своего голоса.

Силой своего таланта Моцарт объединил эти три направления. Еще подростком он написал по одной опере каждого вида. Будучи зрелым композитором, он продолжал работать во всех трех направлениях, хотя традиция opera seria увядала. Одна из двух его больших опер - "Идоменей, царь Крита" (1781), полная страсти и огня, - исполняется и сегодня, а "Милосердие Тита" (1791) можно услышать очень редко.

Три оперы buffa - "Женитьба Фигаро", "Дон Жуан", "Так поступают все женщины" - подлинные шедевры. Они настолько расширили границы жанра, внеся в них трагические мотивы, что зритель уже не знал, смеяться ему или плакать, - здесь можно вести речь о сравнении с шекспировскими пьесами. В каждой из этих трех опер любовь в той или иной форме является ведущей темой. "Фигаро" рассказывает, как слуга (Фигаро) чинит всевозможные препятствия своему хозяину, желающему соблазнить девушку, на которой он хочет жениться. В "Дон Жуане" мы становимся свидетелями приключений дамского угодника, который, в конце концов, был затянут в ад статуей убитого им мужа любовницы. Сюжет не очень подходит для жанра комической оперы, но Моцарт заканчивает ее хором, который говорит зрителю, что все это не должно восприниматься слишком всерьез. Опера "Так поступают все женщины" ("Cosi" fan tutte") повествует о двух молодых парах; девушки и юноши поклялись друг другу в любви и преданности, но затем меняются партнерами и обнаруживают, что быть верным не так легко, как это кажется вначале. Бетховен, чья единственная опера "Фиделио" была сверхсерьезной, считал эти сюжеты аморальными. Либретто ко всем трем сочинениям написал один и тот же поэт, блестящий и эксцентричный Лоренцо да Понте. Оба они не слишком почитали тогдашние строгие нравы.

Для первого совместного произведения "Женитьба Фигаро" они использовали пьесу французского автора Бомарше, герои которой не только вытянули из хозяина все возможное, но и завоевали зрительские симпатии. Опера "Женитьба Фигаро", написанная в 1786 году, стала пиком славы Моцарта. Вот что писал тенор Михаэль Келли, певший в первом представлении оперы: "Я никогда не забуду это воодушевленное выражение лица, загорающегося искрами гениальности, описать это - то же самое, что и нарисовать солнечные лучи". После исполнения воинственной арии Фигаро все зрители кричали: "Браво, браво. Маэстро! Да здравствует великий Моцарт!" "Женитьба Фигаро" стала всеобщим венским шлягером, даже посыльные насвистывали мотивы из оперы.

Тем же самым духом озорного веселья наполнены и две немецко-язычные оперы Моцарта: "Похищение из сераля" и "Волшебная флейта". Первая была написана в 1781 году, в ее основе лежит история спасения девушки, оказавшейся в гареме султана. Сказочный сюжет "Волшебной флейты" на первый взгляд кажется примитивным, но на самом деле эта опера, одна из лучших у Моцарта со многих точек зрения, имеет глубокий смысл. Это сочинение, написанное композитором в последний год его жизни (1791), наполнено глубокой верой в абсолютное торжество добра над злом. Герои - двое идеализированных влюбленных - проходят через множество испытаний, и помогает им в этом волшебная флейта. Героями оперы являются также злобная королева, благородный верховный жрец и смешной птицелов, линия которого снимает напряжение. Либреттист, директор театра Эммануэль Шиканедер, также как и Моцарт, был масоном - идеи масонства нашли в опере широкое воплощение в т.н. "скрытой форме" (как показали последние исследования, в партитуре оперы буквально "закодирована" информация о некоторых масонских символах и обрядах).

В итальянской первой половины XIX века доминировали три великих композитора: Россини, Доницетти и Беллини. Все трое были мастерами настоящей итальянской грациозной плавной мелодии - искусства bel canto ("прекрасного пения"), которое развивалось в Италии с первых дней появления оперы. Это искусство требует совершенного контроля над голосом. Значение сильного прекрасно поставленного голоса в нем столь велико, что исполнители порою пренебрегают актерской игрой. Выдающиеся певцы того времени, такие как Изабелла Колубран, первая жена Россини, могли исполнять фиоритуры и другие всевозможные пассажи с необыкновенной легкостью. Лишь немногие современные певцы могут сравниться в этом с ними. Композиторы соревновались друг с другом, представляя одну оперу за другой. Очень часто в этих операх сюжету придавалось гораздо меньшее значение, нежели демонстрации вокальных возможностей исполнителей.

Из ведущих композиторов первой половины XIX века только Россини прожил долгую жизнь и увидел оперный мир эпохи Верди и Вагнера. Верди продолжил традицию итальянской оперы, и, несомненно, это нравилось Россини. Что же касается Вагнера, то Россини однажды заметил, что у Вагнера "есть хорошие моменты, но из каждого часа музыки пятнадцать минут - скверные". В Италии любят вспоминать такую историю: Россини, как известно, на дух не переносил музыки Вагнера. Однажды маэстро собрал в своём доме именитых гостей. После сытного обеда гости, в ожидании десерта, вышли на балкон с бокалами лёгкого вина. Внезапно из гостиной донёсся ужасный грохот, звон, скрежет, треск и, наконец, стон. Через секунду к перепуганным гостям вышел сам Россини и объявил: "Благодарение Богу, дамы и господа! Нерасторопная служанка зацепилась за скатерть и всего лишь опрокинула на пол всю сервировку. А я-то грешным делом подумал, что какой-то негодяй осмелился сыграть в моём доме увертюру к "Тангейзеру"!".

После нескольких не совсем натуральных героических миров, созданных Вагнером и Верди, для композиторов, пришедших вслед за ними, был характерен интерес к более приземленным темам. Это настроение получило свое выражение в оперном "веризме" (итальянская форма реализма: от слова "vero", правда), направлении, идущем от "правды жизни", так свойственной творчеству романиста Диккенса и живописца Милле. Опера "Кармен" Бизе, написанная в 1875 году, была очень близка к чистому реализму, но веризм как отдельное направление возник в музыкальной жизни Италии лишь 15 лет спустя, когда два молодых композитора написали по одной короткой опере, и обе они были отмечены неромантическим подходом к драме человека: "Сельская честь" Пьетро Масканьи и "Паяцы" Руджеро Леонкавалло. Темы обоих произведений - ревность и убийство. Эти две оперы всегда исполняются вместе.

Совершенно иными представляются музыкально-драматические особенности русских композиторов, таких, как Бородин, Мусоргский, Чайковский, которые, продолжая старые традиции, вводят в оперное искусство ряд новых специфических направлений. Огромные исторические панорамы Мусоргского "Борис Годунов" и "Хованщина" - относительно новое направление в мировом оперном искусстве, названное "народная музыкальная драма", своеобразный музыкальный эквивалент эпопеи выдающегося русского писателя Льва Толстого "Война и мир".

Мусоргский вошел в историю мирового музыкального искусства как гениально одаренный музыкант-новатор. Характерные черты его творчества - самобытность, оригинальность, правдивость, народность музыки; сочетание выразительности и изобразительности, психологическая проницательность, своеобразие музыкального языка, синтезирующего речевое начало с песенным; отказ от исторически сложившихся форм и рационалистических схем во имя жизненной правды. Несмотря на замечания П.И.Чайковского, любившего вворачивать в свои критические статьи эпитет: "Грязь а-ля Мусоргский".

Вершина творчества Мусоргского - его оперы. По силе, правдивости, глубине воплощения, как индивидуальных образов, так и народных масс, зрелому реализму, своеобразию драматургии (он сам писал либретто к своим операм), яркости национального колорита, волнующему драматизму, новизне музыкально-выразительных средств такие произведения, как "Борис Годунов" и "Хованщина", не имеют равных в мировой оперной музыке. Творчество Мусоргского оказало большое влияние на развитие отечественной и зарубежной оперных культур.

Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере "Борис Годунов", написанной по трагедии А. С. Пушкина в 1869 году. В ней Мусоргский проявил себя как мастер психологических портретов, написанных музыкально-драматическими средствами. С потрясающей силой передана в музыке драма царя Бориса, раскрывается его трагически противоречивый образ, равного которому не знала мировая оперная литература. Обращение к историческому сюжету дало основание развить народные образы, представленные в опере и "единой массой" в народных хорах и отдельными личностями.

В 70-е годы Мусоргский вновь обратился к русской истории. Его привлекли события конца 17-го века - стрелецкие бунты и движения раскольников. По совету Стасова, композитор в 1872 году принялся за работу над оперой "Хованщина". Обладая незаурядными литературными способностями, либретто к этой опере Мусоргский написал сам.

Сегодня опера по-прежнему остается сочетанием искусства и мастерства дирижера, режиссера и драматурга и большого бизнеса. В оперном театре финансовые проблемы возникают неизбежно. Все это приводит к тому, что руководители театров не хотят брать на себя риск постановки нового незнакомого произведения, которое не может гарантировать даже наполовину заполненного зала. Кроме того, зрители, которые ходят в оперу, как правило, являются приверженцами традиционной музыки, и чему-то новому, тревожащему, беспокоящему они скорее предпочтут старое и знакомое.

И все-таки в мировом репертуаре мы всегда найдем несколько новых опер. Это, конечно же, несколько произведений Бриттена и особенно "Воццек" Альбана Берга. Эта опера куда более революционна по музыкальному выражению, чем любая из опер Бриттена, хотя она и была впервые представлена в далеком 1925 году. Она написана в атональной манере с использованием традиционных музыкальных приемов. Либретто оперы создано на основе одноименной пьесы Георга Бюхнера и рассказывает о несчастьях угнетенного солдата, доведенного в конце концов до того, что он убивает свою жену. Музыка произведения очень разнообразная: диапазон ее - от разрушающих музыкальную ткань диссонансов до нежных убаюкивающих мелодий. Певцы то поют, то используют речитатив, то переходят на крик. Сначала опера была встречена враждебно, но сегодня "Воццек" - оперный фаворит. Это произведение всегда собирает полные залы зрителей, которые приходят раз делить сострадание Берга к своему несчастному герою.

"Воццек" - мелодрама, и современные музыкальные средства как раз подходят для этого жанра. Относительно недавно появились такие известные произведения, как "Черти из Людена" Пендерецкого и "Бомарцо" Джинастеры. Пендерецкий- поляк, Джинастера - аргентинец, и их успех говорит о том, что сегодня оперные композиторы рождаются уже не столько в странах с традиционно развитой оперой, сколько там, где она никогда не была по-настоящему развита. За исключением Джан Карло Менотти (да и тот провел свою творческую жизнь в Америке) мало кто из современных итальянских композиторов писал оперы. Среди немецких композиторов можно выделить Ханса Вернера Хенце, автора оперы "Бассариды" - пересказа древнегреческой легенды, а также политической сатиры "Как мы приходим к реке" с ее хитроумным эклектическим переплетением самых различных музыкальных направлений. Из всех оперных композиторов XX века наиболее плодовитым и одаренным был англичанин Бенджамин Бриттен (родился в 1913 году). До 30 лет он даже не думал о написании оперы, тем не менее в 1945 году он взошел на оперный Олимп со своим "Питером Граймсом", трагической историей сильного человека, одинокого рыбака с побережья Саффолка. Место действия трагедии "Билли Бадд" - королевский морской флот времен адмирала Нельсона, а состав исполнителей - полностью мужской. Опера "Оуэн Уингрэйв" была впервые исполнена в 1971 году на телевидении, и лишь затем ее поставили в театре.

В "Ледяном ударе" Типпетта действие происходит в зале ожидания аэропорта и в дополнение к музыке взлетают самолеты, звучат сигналы, передаются объявления.

Закономерности развития оперной музыкальной драматургии формировались под воздействием огромного количества факторов. Именно поэтому существует множество вариантов классификации оперных жанров. Многие из них достаточно спорны. Тем не менее, наиболее часто в соответствующей литературе встречается следующий классификационный стандарт:

ранняя опера (соотносится с музыковедческим понятием "старинная музыка");

комическая опера;

опера-сериа;

лирическая опера (лирические сцены, пример: "Евгений Онегин" П. Чайковского);

большая опера (в том числе "народная музыкальная драма");

опера-оратория (пример: "Осуждение Фауста" Ш. Гуно)

современная опера (включая зонг-оперы, поп-оперы, рок-оперы и оперные произведения эклектического стиля "Модерн");

прочие жанры музыкально-драматического типа.

К категории "прочие жанры" в известной степени можно отнести различные направления оперетты и мюзикла, хотя в большей части музыковедческой литературы эти понятия отнесены к отдельному классификационному уровню с достаточно автономными закономерностями музыкально-драматического развития.

К. Спенс, "Всё о музыке", Минск, Белфаст, 1997.

Б. Покровский, "Беседы об опере", М., "Просвещение", 1981.

Сборник "Оперные либретто", Т.2, М., "Музыка", 1985.

Б. Тараканов, "Музыкальные обзоры", М., "Интернет-РЕДИ", 1998.

Базы данных сети Интернет "Прикладная музыкология", "История музыки" и "Оперные либретто".

Цель:

понятие специфики жанра.
сущность оперы
многообразное воплощение различной формы музыки

Задачи:

Обучающая:
закрепить понятие жанра: опера.
Развивающая:
главное в опере – это человеческие характеры, чувства и страсти, столкновения и конфликты, которые могут быть раскрыты музыкой.
Развивать способность размышлять о музыке и произведениях композиторов разных эпох.
Воспитательная: пробудить у учащихся интерес к жанру - опера, желание слушать её не только на уроке, но и вне его.

Ход урока

1. Звучит музыка. Дж.Б. Перголези.”Stabat Mater dolorosa”

Рис. 1

Среди бесчисленного множества чудес,
Что нам подарены самой природой,
Одно есть, несравнимое ни с чем,
Неувядающие сквозь любые годы, –

Он дарит трепетный восторг любви
И согревает душу в дождь и холод,
Нам возвращая сладостные дни,
Когда был каждый вздох надеждой полон.

Перед ним равны и нищий и король –
Судьба певца – отдать себя, сгореть.
Он послан Богом, чтоб творить добро –
Над красотой не властна смерть!
Илья Короп

– “XVIII век был веком красоты, XIX – веком чувства, а финал ХХ стал веком чистого драйва. И зритель приходит в театр не за концепцией, не за идеями, а подпитаться энергией, ему нужен шок. Поэтому такой спрос на поп-культуру – там больше энергии, чем в культуре академической. Чечилия Бартоли мне сказала, что поет оперу как рок-музыку, – и я понял загадку фантастической энергетики этой великой певицы. Опера всегда была народным видом искусства, в Италии она развивалась чуть ли не как спорт – состязание певцов. И она должна быть популярной”. Валерий Кичин

В литературе, музыке и других искусствах за время их существования сложились различные виды произведений. В литературе это, например, роман, повесть, рассказ; в поэзии – поэма, сонет, баллада; в изобразительном искусстве – пейзаж, портрет, натюрморт; в музыке – опера, симфония... Род произведений в пределах одного какого-то искусства называют французским словом жанр (genre).

5. Певцы. В течение 18 в. развился культ певца-виртуоза – сначала в Неаполе, потом по всей Европе. В это время партия главного героя в опере исполнялась мужским сопрано – кастратом, то есть тембром, естественное изменение которого было остановлено кастрацией. Певцы-кастраты доводили диапазон и подвижность своих голосов до пределов возможного. Такие оперные звезды, как кастрат Фаринелли (К.Броски, 1705–1782), чье сопрано по рассказам превосходило по силе звук трубы, или меццо-сопрано Ф.Бордони, про которую говорили, что она могла тянуть звук дольше всех на свете певцов, полностью подчиняли своему мастерству тех композиторов, чью музыку они исполняли. Некоторые из них сами сочиняли оперы и руководили оперными труппами (Фаринелли). Считалось само собой разумеющимся, что певцы украшают сочиненные композитором мелодии собственными импровизированными орнаментами, не обращая внимания на то, подходят подобные украшения к сюжетной ситуации оперы или нет. Обладатель любого типа голоса обязательно обучался исполнению быстрых пассажей и трелей. В операх Россини, например, тенор должен владеть колоратурной техникой не хуже, чем сопрано. Возрождение подобного искусства в 20 в. позволило дать новую жизнь многообразному оперному творчеству Россини.

В соответствии с диапазоном голосов оперные певцы делятся обычно на шесть типов. Три женских типа голосов, от высоких к низким – сопрано, меццо-сопрано, контральто (последнее в наши дни встречается редко); три мужских – тенор, баритон, бас. Внутри каждого типа может быть несколько подвидов в зависимости от качества голоса и стиля пения. Лирико-колоратурное сопрано отличается легким и исключительно подвижным голосом, такие певицы умеют исполнять виртуозные пассажи, быстрые гаммы, трели и другие украшения. Лирико-драматическое (lirico spinto) сопрано – голос большой яркости и красоты.

Тембр драматического сопрано – насыщенный, сильный. Различие между лирическими и драматическими голосами относится также к тенорам. У басов выделяются два главных типа: “певческий бас” (basso cantante) для “серьезных” партий и комический (basso buffo).

Задание ученикам. Определите – какой тип голоса исполняет:

Партия Деда Мороза – бас
Партия Весны – меццо-сопрано
Партия Снегурочки – сопрано
Партия Леля – меццо-сопрано или контральто
Партия Мизгиря – баритон

Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М. П. Мусоргского “Борис Годунов” и “Хованщина”).

Давайте прослушаем:

Пролог. Картина первая. М. П. Мусоргский “Борис Годунов”
Картина вторая. М. П. Мусоргский “Борис Годунов”

Задание ученикам. Определите – кто герой, а кто – масса.

Герой здесь – Борис Годунов. Масса – народ. Мысль написать оперу на сюжет исторической трагедии Пушкина "Борис Годунов" (1825) Мусоргскому подал его друг, видный историк профессор В. В. Никольский. Мусоргского чрезвычайно увлекла возможность претворить остро актуальную для его времени тему взаимоотношений царя и народа, вывести народ в качестве главного действующего лица оперы. "Я разумею народ как великую личность, одушевленную единой идеей, – писал он. – Это моя задача. Я попытался решить ее в опере".

6. Оркестр. В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды – увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Еще один компонент оперного спектакля – балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными. Если певцы являются ведущими в оперном представлении, то оркестровая партия образует обрамление, фундамент действия, движет его вперед и готовит слушателей к грядущим событиям. Оркестр поддерживает певцов, подчеркивает кульминации, своим звучанием заполняет лакуны либретто или моменты смены декораций, наконец, выступает в заключении оперы, когда опускается занавес. Прослушаем увертюру Россини к комедии “Севильский цирюльник”. Форма “автономной” оперной увертюры пришла в упадок, и ко времени появления “Тоски” Пуччини (1900) увертюра могла заменяться всего лишь несколькими вступительными аккордами. В ряде опер 20 в. вообще отсутствуют какие бы то ни было музыкальные приготовления к сценическому действию. Но так как сущность оперы есть пение, высшие моменты драмы находят отражение в завершенных формах арии, дуэта и в других условных формах, где музыка выходит на первый план. Ария подобна монологу, дуэт – диалогу, в трио обычно воплощаются противоречивые чувства одного из персонажей по отношению к двум другим участникам. При дальнейшем усложнении возникают разные ансамблевые формы.

Прослушаем:

Арию Джильды “Риголетто” Верди. Действие 1-е. Оставшись одна, девушка повторяет имя таинственного поклонника ("Caro nome che il mio cor"; "Сердце радости полно").
Дуэт Джильды и Риголетто “Риголетто” Верди. Действие 1-е. ("Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale"; “С ним мы равны: владею словом, а он кинжалом”).
Квартет в “Риголетто” Верди. Действие 3-е. (Квартет "Bella figlia dell"amore"; “О красотка молодая”).
Секстет в “Лючии ди Ламмермур” Доницетти

Введение подобных форм обычно останавливает действие, чтобы дать место развитию одной (или нескольких) эмоций. Только группа певцов, объединенная в ансамбль, может выразить сразу несколько точек зрения на совершающиеся события. Иногда в роли комментатора поступков оперных героев выступает хор. В основном текст в оперных хорах произносится сравнительно медленно, фразы часто повторяются, чтобы сделать содержание понятным слушателю.

Не во всех операх можно провести четкую грань между речитативом и арией. Вагнер, например, отказался от завершенных вокальных форм, имея целью непрерывное развитие музыкального действия. Эта новация была подхвачена, с различными модификациями, целым рядом композиторов. На русской почве идея непрерывной “музыкальной драмы” была, независимо от Вагнера, впервые опробована А.С.Даргомыжским в “Каменном госте” и М.П.Мусоргским в “Женитьбе” – они называли данную форму “разговорной оперой”, opera dialogue.

7. Оперные театры.

парижская “Опера” (в России закрепилось название “Гранд-Опера”) предназначалась для яркого зрелища (рис. 2) .
“Дом торжественных представлений” (Festspielhaus) в баварском городке Байройте создан Вагнером в 1876 для постановки его эпических “музыкальных драм”.
здание “Метрополитен-опера” в Нью-Йорке (1883) было задумано как витрина для лучших певцов мира и для респектабельных абонентов лож.
“Олимпико” (1583), построенный А. Палладио в Виченце. Его архитектура – отражение микрокосма общества эпохи барокко – имеет в основе характерный подковообразный план, где ярусы лож расходятся веером от центра – королевской ложи.
театр “Ла Скала” (1788, Милан)
“Сан-Карло” (1737, Неаполь)
“Ковент-Гарден” (1858, Лондон)
Бруклинская музыкальная академия (1908) Америка
оперный театр в Сан-Франциско (1932)
оперный театр в Чикаго (1920)
новое здание “Метрополитен-опера” в нью-йоркском Линкольн – центре (1966)
Сиднейский оперный театр (1973, Австралия).

Рис. 2

Таким образом – опера властвовала во всем мире.

В эпоху Монтеверди опера стремительно завоевывала крупные города Италии.

Романтическая опера в Италии

Итальянское влияние достигло даже Англии.

Как и ранняя итальянская опера, французская опера середины 16 в. исходила из стремления возродить древнегреческую театральную эстетику.

Если во Франции во главу угла ставилось зрелище, то во всей остальной Европе – ария. Центром оперной деятельности на этом этапе стал Неаполь.

Из Неаполя берет свое начало еще один вид оперы – опера – буффа (opera – buffa), возникшая как закономерная реакция на оперу – сериа. Увлечение этим видом оперы быстро охватило города Европы – Вену, Париж, Лондон. Романтическая опера во Франции.

Балладная опера повлияла на становление немецкой комической оперы – зингшпиля. Романтическая опера в Германии.

Русская опера эпохи романтизма.

“Чешская опера” – условный термин, под которым подразумеваются два контрастных художественных направления: прорусское в Словакии и прогерманское в Чехии.

Домашнее задание ученикам. Каждому ученику дается задание ознакомиться с творчеством композитора (по выбору), где процветала опера. А именно: Я. Пери, К.Монтеверди, Ф.Кавалли, Г.Перселл, Ж.Б.Люлли, Ж.Ф.Рамо, А.Скарлатти, Г.Ф.Гендель, Дж.Б.Перголези, Дж.Паизиелло, К.В.Глюк, В.А.Моцарт, Дж.Россини, В.Беллини, Г.Доницетти, Дж.Верди, Р.Леонкавалло, Дж.Пуччини, Р.Вагнер, К.М.Вебер, Л. Ван Бетховен, Р.Штраус, Дж.Мейербер, Г.Берлиоз, Ж.Бизе, Ш.Гуно, Ж.Оффенбах, К.Сен-Санс, Л.Делиб, Ж.Массне, К.Дебюсси, М.П.Мусоргский, М.П.Глинка, Н.А.Римский-Корсаков, А.П.Бородин, П.И.Чайковский, С.С.Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Антонин Дворжак, Бедржих Сметана, Леош Яначек, Б.Бриттен, Карл Орф, Ф.Пуленк, И.Ф.Стравинский

8. Известные оперные певцы.

Гобби, Тито, Доминго, Пласидо
Каллас, Мария (Рис. 3) .
Карузо, Энрико, Корелли, Франко
Паваротти, Лючано, Патти, Аделина
Скотто, Рената, Тебальди, Рената
Шаляпин, Федор Иванович, Шварцкопф, Элизабет

Рис. 3

9. Востребованность и современность оперы.

Опера – это достаточно консервативный жанр по своей природе. Это связано с тем, что существует многовековая традиция, обусловленная техническими возможностями исполнения. Своей долговечностью этот жанр обязан большим эффектом, оказываемым на слушателя за счет синтеза нескольких искусств, способных производить впечатление сами по себе. С другой стороны, опера – это крайне ресурсоемкий жанр, недаром само слово “опера” в переводе с латыни значит “труд”: из всех музыкальных жанров она обладает наибольшей продолжительностью, она требует качественных декораций для постановки, максимального мастерства певцов для исполнения и высокого уровня сложности композиции. Таким образом, опера является пределом, к которому стремится искусство с целью произвести максимальное впечатление на публику при использовании всех доступных ресурсов. Однако из-за консервативности жанра, этот набор ресурсов мало поддается расширению: нельзя сказать, что за последние десятилетия состав симфонического оркестра совсем не изменился, но вся основа осталась прежней. Так же мало изменяется техника вокала, связанная с необходимостью большой мощности при исполнении оперы на сцене. Музыка ограничена в своем движении этими ресурсами.

Сценическое представление в этом смысле более динамично: можно поставить классическую оперу в авангардном стиле, не изменив ни одной ноты в партитуре. Обычно считается, что в опере главное музыка, и поэтому оригинальная сценография не может погубить шедевр. Однако обычно так не получается. Опера – это синтетическое искусство, и сценография важна. Постановка, не соответствующая духу музыки и сюжета воспринимается как чуждое произведению вкрапление. Таким образом, классическая опера часто не отвечает потребностям постановщиков, желающих выразить современные настроения на сцене музыкального театра, и требуется что-то новое.

Первый вариант решения этой проблемы – это мюзикл.

Второй вариант – это современная опера.

Существует три степени художественности содержания музыки.

Развлечение. Этот вариант неинтересен, так как для его реализации достаточно использовать готовые правила, тем более что он не соответствует требованиям, предъявляемым к современной опере.
Интерес. В этом случае, произведение приносит слушателю наслаждение благодаря изобретательности композитора, который нашел оригинальный и максимально эффектный путь решения художественной задачи.
Глубина. Музыка может выражать высокие чувства, которые дарят слушателю внутреннюю гармонию. Здесь мы сталкиваемся с тем, что современная опера не должна приносить вреда психическому состоянию. Это очень важно, так как, несмотря на высокие художественные достоинства, музыка может содержать черты, которые незаметно подчиняют волю себе слушателя. Так, широко известно, что Сибелиус способствует склонности к депрессии и самоубийству, а Вагнер – внутренней агрессии.

Значение современной оперы заключается именно в сочетании современных технологий и свежего звучания с высокими художественными достоинствами, характерными для оперы вообще. Это один из способов примирить стремление выразить в искусстве современные настроения с необходимостью соблюдать чистоту классики.

Идеальный вокал, основываясь на культурных корнях, преломляет в своей индивидуальности народную школу пения, и может служить основой для неповторимого звучания современных опер, написанных для конкретных исполнителей.

Можно написать шедевр, не вписывающийся в рамки никакой теории, но звучащий великолепно. Но для этого он все равно должен удовлетворять требованиям восприятия. Изложенные правила, как и любые другие, можно нарушать.

Домашнее задание ученикам. Освоение характерных особенностей композиторского стиля произведений русских композиторов, западно-европейских и современных композиторов. Анализ музыкальных произведений (на примере оперы).

Используемая литература:

Малинина Е.М. Вокальное воспитание детей. – М., 1967.
Кабалевский Д.Б. Программа по музыке в общеобразовательной школе. – М., 1982.
Верно Р. Серия “Жизни великих композиторов”. ТОО ”ПОМАТУР”. М., 1996.
Махрова Э.В. Оперный театр в культуре Германии второй половины ХХ в. СПб, 1998.
Саймон Г.У. Сто великих опер и их сюжеты. М., 1998.
Ярославцева Л.К. Опера. Певцы. Вокальные школы Италии, Франции, Германии XVII – XX веков. – “Издательский дом “Золотое Руно”, 2004 г.
Дмитриев Л.Б. Солисты театра “Ла Скала” о вокальном искусстве: Диалоги о технике пения. – М., 2002.

Каждое из искусств имеет определенные жанры, в которые творцы облекают свои художественные замыслы. Одни из них наилучшим образом подходят для воплощения грандиозных, как теперь говорят, проектов, для больших масштабов и монументальных форм, другие - для выражения интимных чувств. Разочарованием для творца может обернуться неверно выбранный жанр или форма, в которую он пожелал воплотить свой замысел. Конечно, замечательно, когда малая форма заключает в себе большое содержание. В таких случаях принято говорить: краткость - сестра таланта, или - как говорит Шекспир в «Гамлете» - «краткость есть душа ума», но плохо, если, наоборот, для избранной крупной формы не оказалось достаточного содержания...

Александр Майкапар

Музыкальные жанры: Опера

Можно провести параллели между отдельными жанрами разных видов искусств. Так, опера в определенном смысле сродни роману или драматическому произведению (чаще – трагедии; и можно привести примеры опер на тексты знаменитых трагедий -«Отелло» Шекспира и Верди). Другая параллель - музыкальный жанр прелюдии и лирическое стихотворение, а в изобразительном искусстве - рисунок. Сравнения без труда можно продолжить.

Нам важно здесь обратить внимание на то, что в подобных параллелях заключено сходство форм и даже технических приемов, идентичность работы с объемами и массами: у композитора - звуков, у художника - красок. В предлагаемой серии очерков о музыкальных жанрах мы постараемся избежать сложных музыкальных понятий и терминов, но все-таки без раскрытия некоторых специфических музыкальных особенностей нам не обойтись.

Многие классические и романтические оперы еще со времен Люлли имели вставные балетные сцены. Один из таких эпизодов изобразил на своей картине Э. Дега. Эфемерные танцовщицы на сцене резко контрастируют с музыкантами оркестра и зрителями в партере, среди которых друзья художника - коллекционер Альберт Хешт и художник-любитель виконт Лепик, которых художник изобразил почти с фотографической точностью. Импрессионизм и реализм были тесно соединены. При всех их различиях они могли сочетаться в одной картине.

Египетская тема оперы Верди «Аида» графически проиллюстрирована на титульном листе первого издания оперы, осуществленного фирмой «G. Ricordi e C.» в Милане. Издания этой фирмы распространялись по всей Европе. Из воспоминаний професора С. Майкапара о его музыкальной юности в Таганроге (начало 80-х годов XIX века): Г. Молла, учитель-итальянец, «очень любил помимо уроков приходить ко мне или приглашать меня к себе, чтобы вместе со мной изучать только что выходившие новые оперы Верди. Клавираусцуги (переложения для фортепиано) этих опер он выписывал прямо из Милана от самого издательства Рикорди. Так мы прошли с ним досконально оперы «Аиду», «Отелло», «Фальстафа».

Первая постановка «Кармен» успеха не имела. Автора обвинили в безнравственности. Одним из первых музыку «Кармен» оценил Чайковский. «Опера Бизе, - писал он, - шедевр, одна из тех немногих вещей, которым суждено отразить в себе в сильнейшей степени музыкальные стремления целой эпохи. Лет через десять «Кармен» будет самой популярной оперой в мире». Слова Чайковского оказались пророческими.

Произведения знаменитого итальянского композитора Джакомо Пуччини издавал уже упоминавшийся Г. Рикорди. «Тоска» (1900) - одна из самых репертуарных опер в театрах мира. Создание попурри, парафраз или фантазий на темы любимых опер - традиция, восходящая еще к XVIII веку.

«Волчий овраг». Каспар в ожидании Макса заключает договор с демоническим охотником Самиэлем, которому он продает свою жизнь. Но затем вместо себя предлагает Макса. Призрак загадочно отвечает: «Он или ты». В это время с вершины в овраг спускается Макс, его удерживает тень матери, но Самиэль вызывает призрак Агаты, и Макс после некоторого колебания сходит вниз. Макс принимается за приготовление семи волшебных пуль из материала, доставляемого Каспаром. Их окружают адские видения. При последней, роковой пуле появляется призрак Самиэля, и оба егеря падают полумертвые от ужаса на землю.

А. Бородин не успел завершить работу над оперой.

К исполнению и изданию этот шедевр оперного искусства подготовили друзья композитора - Н. Римский-Корсаков и А. Глазунов. Последний записал увертюру оперы по памяти.

Издал оперу русский меценат М.П. Беляев, основатель музыкального издательства «Edition M.P. BELAЇFF, Leipzig».

Из воспоминаний Н. Римского-Корсакова: М. П. Беляев «был меценат, но не меценат-барин, бросающий деньги на искусство по своему капризу и в сущности не делающий для него ничего. Конечно, не будь он богатым, он не мог бы сделать для искусства того, что он сделал, но в этом деле он стал сразу на благородную, твердую почву. Он сделался предпринимателем концертов и издателем русской музыки без всяких расчетов на какую-либо для себя выгоду, а напротив, жертвуя на это огромные деньги, притом скрывая до последней возможности свое имя».

Краткое определение

Мир оперы…

Сколько композиторов, сколько поколений слушателей, в скольких странах этот мир приковывал к себе своими чарами! Сколько величайших шедевров этот мир заключает в себе! Какое разнообразие сюжетов, форм, способов сценического воплощения своих образов предоставляет этот мир человечеству!

Опера, безусловно, самый сложный музыкальный жанр. Как правило, она занимает полный театральный вечер (хотя есть так называемые одноактные оперы, которые ставятся обычно две в одном театральном представлении). В отдельных случаях полный оперный замысел композитора получает воплощение в несколько вечеров, причем каждый из них превышает традиционные рамки оперного спектакля. Мы имеем в виду тетралогию (то есть представление из четырех опер) Рихарда Вагнера «Кольцо нибелунга» с ее четырьмя самостоятельными оперными спектаклями: пролог - «Золото Рейна», первый день - «Валькирия», второй день - «Зигфрид», третий день - «Гибель богов». Не удивительно, что подобное творение по своим масштабам ставится в ряд таких созданий человеческого духа, как роспись плафона Сикстинской капеллы Микеланджело или «Человеческая комедия» Бальзака (98 романов и новелл - «Этюдов о нравах»).

Раз уж мы забежали настолько вперед, договорим о Вагнере. В книге американского музыковеда Генри Саймона «Сто великих опер», которую нам довелось перевести и опубликовать для любителей оперы в нашей стране, об этой тетралогии сказано остро и афористично: «Кольцо нибелунга» - величайшее произведение искусства, когда-либо созданное одним человеком, или - иначе - самая колоссальная скукотища, или - еще и так - плод крайней степени гигантомании. Именно так постоянно характеризуется эта тетралогия, и эпитеты эти отнюдь нe взаимоисключающие. На создание этого творения - текста, музыки и подготовки премьеры - ушло двадцать восемь лет. Правда, в этот период Вагнер сделал перерыв в работе над «Кольцом», частично пришедшийся на создание «Зигфрида». Чтобы несколько отвлечься и перевести дух, он в этот период сочинил также два своих шедевра - «Тристана» и «Мейстерзингеров».

Прежде чем хотя бы бегло описать исторический путь оперы - подробный рассказ об опере занял бы большой книжный том, а то и не один, - попробуем дать краткое определение того, что есть или, вернее, чем стала опера как музыкальный жанр.

Итальянское слово opera происходит от латинского и означает в широком смысле «труд», то есть «творение», в литературно-музыкальном - «сочинение». Еще задолго до оперы - музыкального жанра это слово употреблялось для обозначения литературного сочинения, в первую очередь философского и теологического, когда оно публиковалось в полном виде - Opera omnia . Такие сочинения были наиболее сложным литературным жанром (например, «Сумма теологии» Фомы Аквинского). В музыке таким наиболее сложным произведением является именно опера - сценическое произведение, соединяющее в себе музыку (вокальную и инструментальную), поэзию, драму, сценографию (изобразительное искусство). Таким образом, опера по праву носит свое название.

Начало

Если бы мы задались целью хотя бы пунктиром наметить этапы развития оперы как музыкального жанра, наш очерк превратился бы в одно лишь перечисление имен композиторов, названий их оперных творений и театров, где эти шедевры впервые увидели свет рампы. Причем из имен, как можно легко догадаться, были бы названы величайшие: Монтеверди, Перголези, Люлли, Глюк, Моцарт, Россини, Бетховен, Мейербер, Вагнер, Верди, Пуччини, Рихард Штраус… Это только западные композиторы. А русские! Впрочем, о них речь впереди.

Но о первой опере и первом оперном композиторе, оказавшемся таковым… случайно, сказать все же необходимо. Для этого нам нужно мысленно перенестись на родину этого музыкального жанра - в Италию, точнее, во Флоренцию конца XVI века. Опера родилась здесь и в это время.

В ту эпоху в Италии господствовало необычайное увлечение академиями, то есть свободными (от городских и церковных властей) обществами, объединявшими философов, ученых, поэтов, музыкантов, знатных и просвещенных любителей. Целью таких обществ было поощрение и развитие наук и искусств. Академии пользовались финансовой поддержкой своих членов (большинство из которых принадлежали к аристократическим кругам) и находились под покровительством княжеских и герцогских дворов. В XVI–XVII вв. в Италии насчитывалось свыше тысячи академий. Одной из них была так называемая Флорентийская камерата. Она возникла в 1580 г. по инициативе Джованни Барди, графа Вернио. Среди ее членов - Винченцо Галилей (отец знаменитого астронома), Джулио Каччини, Якопо Пери, Пьетро Строцци, Джироламо Меи, Оттавио Ринуччини, Якопо Кореи, Кристофано Мальвецци. Особый интерес у них вызывали культура античности и проблемы стиля древней музыки. Именно на этой почве и родилась опера, которая тогда еще не называлась оперой (впервые термин «опера» в нашем понимании возник в 1639 г.), а определялась как drama per musica (букв.: «драма через музыку», или, точнее по смыслу, «драма (положенная) на музыку»). Иными словами, композиторы Флорентийской камераты были увлечены идеей реконструкции древнегреческой музыки и драмы и совсем не помышляли о том, что мы теперь именуем оперой. Но из попыток создания такой (псевдо)античной драмы в 1597 или 1600 г. родилась опера.

Разные даты - потому что все зависит от того, что считать первой оперой: год создания первой, но утерянной, или год первой дошедшей до на с оперы. Об утерянной известно, что это была «Дафна», а дошедшая до нас - «Эвридика». Она была пышно поставлена в палаццо Питти 6 октября 1600 года по случаю бракосочетания Марии Медичи и французского короля Генриха IV. Мировое музыкальное сообщество отмечало четырехсотлетие оперы в 2000 году. Красивые числа! Вероятно, это решение оправданно. К тому же обе эти оперы - «Дафна» и «Эвридика» - принадлежат одному и тому же композитору Якопо Пери (вторую он писал в соавторстве с Джулио Каччини).

Так же как в случае с перечислением имен оперных композиторов, нас ждет безбрежный материал, если мы захотим описать разные виды и направления оперного творчества, охарактеризовать все те новшества, которые привнес с собой каждый из великих творцов оперы. Мы должны будем упомянуть хотя бы основные виды оперы - оперу так называемую «серьезную» (opera seria ) и оперу комическую (opera buffa ). Это первые оперные жанры, возникшие в XVII–XVIII вв.; из них впоследствии (в XIX в.) выросли соответственно «опера-драма» (grand opera ) и комическая опера эпохи романтизма (которая затем плавно трансформировалась в оперетту).

Насколько эта эволюция оперных жанров очевидна и ясна музыкантам, свидетельствует остроумное замечание одного музыканта-острослова: «Если «Севильский цирюльник» [Россини] идет в театре в трех действиях, знайте, что это сделано в целях буфета театра». Чтобы оценить эту шутку, нужно знать, что «Севильский цирюльник» - комическая опера, наследница традиций opera buffa . А opera buffa поначалу (в Италии в XVIII в.) создавалась в качестве веселого представления для отдыха слушателей в антрактах opera seria, которая в то время всегда состояла из трех действий. Так что легко понять, что в представлении из трех действий было два антракта.

История музыки сохранила для нас обстоятельства рождения первой opera buffa. Ее автором был совсем молодой Джованни Баттиста Перголези. В 1733 г. композитор создавал свою очередную «серьезную оперу» - «Гордый пленник». Подобно другим пяти операм seria , которые он сочинил за четыре года своей карьеры оперного композитора, она не имела успеха, по сути провалилась.

В качестве двух intermezzo Перголези, что называется спустя рукава, написал забавную историю, для которой требовались всего лишь сопрано и бас, ну и один актер-мим (такой состав стал традиционным для подобных интермедий). Так родилась музыкальная форма, получившая известность как opera buffa , у которой оказалась долгая и почетная история, а ее классический пример - «Служанка-госпожа» - имел сценическую жизнь почетную и столь же долгую.

Перголези умер в 1736 г. в возрасте двадцати шести лет. Он так и не узнал, что десятью годами позже, когда итальянская труппа поставила это его небольшое произведение в Париже, оно стало причиной оперной войны, получившей известность как «война буффонов». Широко почитаемые Рамо и Люлли сочиняли тогда величественные и патетические произведения, которые вызывали критические отзывы таких интеллектуалов, как Руссо и Дидро. «Служанка-госпожа» дала им оружие для атаки на формальные музыкальные развлечения, любимые королем. Кстати, королева предпочитала тогда музыкальных мятежников. Результатом этой войны было по меньшей мере шестьдесят памфлетов на эту тему, приобретшая успех opera buffa самого Руссо, называющаяся «Деревенский колдун» (она стала образцом для «Бастьена и Бастьенны» Моцарта), и почти две сотни исполнений перголезиевского шедевра.

Основные принципы Глюка

Если взглянуть на оперу с точки зрения того репертуара, который можно считать традиционным для классических оперных театров мира, то в первых его строках будут не произведения классиков XVIII в., таких как Гендель, Алессандро Скарлатти и их многочисленных, активно творивших современников и последователей, а композитора, который решительно направил свой взор в сторону драматической правдивости сценического действия. Этим композитором был Глюк.

Надо заметить, что, конечно, характеризуя национальные оперные школы, следовало бы сказать и о Германии середины XVIII в., но здесь какое произведение ни возьми из достойных быть упомянутыми, непременно окажется, что оно либо итальянского композитора, работавшего в Германии, либо немца, выучившегося в Италии и писавшего в итальянской традиции и на итальянском языке. Более того, первые произведения самого Глюка были именно таковыми: он учился в Италии и его ранние оперы были написаны для итальянских оперных театров. Однако в определенный момент Глюк резко изменил свои взгляды и вступил в оперу с высоко поднятым знаменем, на котором было начертано: «Назад в 1600-й!». Иными словами, вновь после многих лет культивирования всевозможных условностей опера должна была превратиться в «drama per musica ».

Основные принципы Глюка можно суммировать (исходя из авторского предисловия к «Альцесте») следующим образом:

а) музыка должна быть подчинена поэзии и драме, она не должна ослаблять их ненужными украшениями; она должна играть по отношению к поэтическому произведению ту же роль, какую по отношению к хорошему и точному рисунку играет яркость красок и хорошее распределение светотени, служащие к оживлению фигур, не изменяя их контуров;

б) следует изгнать все те излишества, против которых протестуют здравый смысл и справедливость; актер не должен прерывать свой страстный монолог, ожидая, пока отзвучит нелепая ритурнель, или разрывать слово, чтобы на какой-нибудь удобной гласной продемонстрировать свой прекрасный голос;

в) увертюра должна осветить зрителям действие и служить как бы вступительным обзором содержания;

г) оркестровка должна изменяться в соответствии с интересом и страстностью слов, произносимых актером;

д) следует избегать неуместных цезур между речитативами и ариями, которые калечат период и лишают действие силы и яркости.

Итак, Глюк предстает великим реформатором оперы. Он был немцем, и от него идет та линия развития оперы, которая через Моцарта приводит к Веберу, затем к Вагнеру.

Двойной талант

Быть может, лучшей характеристикой Вагнера остаются слова Ференца Листа о нем (которые мы приводим в переводе замечательного русского композитора и музыкального критика Александра Серова): «По чрезвычайно редкому исключению в сфере музыкальных деятелей Вагнер соединяет в себе двойной талант: поэта в звуках и поэта словесного, автора музыки в опере и автора либретто, что придает необыкновенное единство его драматически-музыкальным вымыслам. <...> Все искусства, по вагнеровской теории, должны сочетаться на театре и таким художественно уравновешенным согласием стремиться к одной цели - общему чарующему впечатлению. Музыку Вагнера невозможно обсуждать, если захотеть искать в ней обыкновенную оперную фактуру, обыкновенное распределение арий, дуэтов, романсов, ансамблей. Тут все неразрывно связано, сплочено организмом драмы. Стиль пения в большей части сцен столь же далек от рутинного речитатива, сколь и от размеренных фраз итальянских арий. Пение у Вагнера становится естественной речью в области поэтической, речью, которая не мешает драматическому действию (как в иных операх), а, напротив, несравненно усиливает его. Но в то время, что действующие лица в величественно простой декламации высказывают свои чувства, богатейший оркестр Вагнера служит отголоском души этих же действующих лиц, дополняет, дорисовывает то, что мы слышим и видим на сцене».

Русская школа

В XIX веке зрелости и самостоятельности достигла русская оперная школа. Для ее расцвета в это время была подготовлена замечательная почва. Первые русские оперы, появившиеся в конце XVIII в., были по преимуществу драматическими пьесами с музыкальными эпизодами по ходу действия. Многое было заимствовано русскими композиторами того времени у итальянцев и французов. Но и те, в свою очередь, побывав в России, многое из русского музыкального быта воспринимали и ассимилировали в своем творчестве.

Основоположником русской оперной классики стал М.И. Глинка. Две его оперы - историко-трагическая «Жизнь за царя» («Иван Сусанин», 1836) и сказочно-эпическая «Руслан и Людмила» (1842) - положили начало двум важнейшим направлениям русского музыкального театра: исторической опере и опере волшебно-эпической.

Вслед за Глинкой на оперное поприще вступил Александр Даргомыжский. Его путь как оперного композитора начался с оперы «Эсмеральда» по В. Гюго (поставлена в 1847 г.). Но главными его художественными достижениями явились оперы «Русалка» (1855) и «Каменный гость» (1866–1869). «Русалка» - первая русская бытовая лирико-психологическая опера. Даргомыжский, как и Вагнер, ощущал необходимость реформы оперы, чтобы избавиться от условностей и добиться полного слияния музыки и драматического действия. Но, в отличие от великого немца, он сосредоточил свои усилия на поиске максимально правдивого воплощения в вокальной мелодии интонаций живой человеческой речи.

Новый этап истории русской оперы - 60-е годы XIX столетия. Это время, когда на русской сцене появляются произведения композиторов балакиревского кружка, известного под названием «Могучая кучка», и Чайковского. Членами балакиревского кружка были А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков. Оперные творения этих композиторов составляют золотой фонд русского и мирового оперного искусства.,

ХХ век - как в России, так и на Западе - внес значительное разнообразие в оперные жанры, но приходится констатировать, что четвертое столетие существования оперы не может похвастать творениями столь великими и в таком обилии, как это было в предыдущие века. Посмотрим, что случится в пятом столетии...

Чем опера начинается...

Какому бы художественному направлению ни принадлежала конкретная опера, она всегда открывается увертюрой. Как правило, последняя содержит в себе ключевые музыкальные идеи оперы, главные ее мотивы, чисто оркестровыми средствами характеризует ее персонажей. Увертюра - это «визитная карточка» оперы. Наш разговор об опере мы завершаем рассуждением о том, чем опера начинается. И передаем слово остроумнейшему из композиторов - Джоаккино Россини.

Когда один молодой композитор спросил его, что лучше, писать увертюру до написания оперы или после ее завершения, Россини перечислил шесть способов, какими он писал увертюры:

1. Я написал увертюру к «Отелло» в маленькой комнатке, в которой меня запер с тарелкой макарон один из самых жестоких директоров театров, Барбария; он сказал, что выпустит меня только после того, как будет написана последняя нота увертюры.

2. Увертюру к «Сороке-воровке» я писал прямо в день премьеры оперы за кулисами театра Ла Скала в Милане. Директор посадил меня под охрану четырех рабочих сцены, которым было приказано бросать листки рукописи один за другим переписчикам, находившимся внизу, в оркестровой яме. По мере переписывания рукописи ее, страницу за страницей, посылали дирижеру, который репетировал музыку. Если бы мне не удалось сочинить музыку к назначенному часу, мои охранники бросили бы меня самого, вместо листков, к переписчикам.

3. Я вышел из положения проще в случае с увертюрой к «Севильскому цирюльнику», которую я вовсе не написал; вместо этого я воспользовался увертюрой к моей опере «Елизавета», которая является очень серьезной оперой, тогда как «Севильский цирюльник» опера комическая.

4. Увертюру к «Графу Ори» я сочинял, когда рыбачил с одним музыкантом, испанцем, который непрестанно тараторил о политической ситуации в своей стране.

5. Увертюру к «Вильгельму Теллю» я сочинял в квартире на бульваре Монмартр, где ночью и днем толпы людей курили, пили, разговаривали, пели и трезвонили мне в уши, в то время как я работал над музыкой.

6. Я никогда не сочинял никакой увертюры к моей опере «Моисей»; и это и есть самый простой из всех способов.

Это остроумное высказывание знаменитого оперного композитора естественным образом подвело нас к более подробному рассказу об увертюре - музыкальном жанре, давшем замечательные образцы. Рассказ об этом - в следующем очерке цикла.

По материалам журнала «Искусство» № 02/2009

На постере: Борис Годунов - Ферруччо Фурланетто. Фото Дамира Юсупова

Опера - это один из важнейших музыкальных и театральных жанров. Она представляет собой смесь музыки, вокала, живописи и актёрского мастерства, и высоко ценится приверженцами классического искусства. Неудивительно, что на уроках музыки ребёнку первым делом задают доклад на эту тему.

Вконтакте

С чего начинается

Она начинается с увертюры. Это вступление, исполняемое симфоническим оркестром . Призвано задать настроение и атмосферу пьесы.

Чем продолжается

За увертюрой следует основная часть спектакля. Это грандиозное действо, разделённое на акты - законченные части представления, между которыми пролегают антракты. Антракты могут быть длинными, чтобы зрители и участники постановки могли отдохнуть, или короткими, когда занавес опускают, только чтобы сменить декорации.

Главным телом, движущей силой всей являются сольные арии. Их исполняют актёры - персонажи истории. Арии раскрывают сюжет, характер и чувства героев. Иногда между ариями вставляются речитативы - напевные ритмичные реплики - или обычная разговорная речь.

Литературная часть основывается на либретто. Это своего рода сценарий, краткое содержание произведения. В редких случаях стихи пишут сами композиторы , как, например, Вагнер. Но чаще всего слова для оперы пишет либреттист.

На чём заканчивается

Финалом оперного представления служит эпилог. Эта часть выполняет туже функцию что и литературный эпилог. Это может быть рассказ о дальнейшей судьбе героев, или подведение итогов и определение морали.

История оперы

В Википедии можно найти обширную информацию на эту тему, но в данной статье предоставлена сжатая история упомянутого музыкального жанра.

Античная трагедия и Флорентийская камерата

Родиной оперы является Италия . Однако корни этого жанра уходят в Древнюю Грецию, где впервые стали совмещать сценическое и вокальное искусство. В отличие от современной оперы, где основной упор идёт именно на музыку, в древнегреческой трагедии лишь чередовали обычную речь и пение. Этот вид искусства продолжил развиваться у римлян. В древнеримских трагедиях набрали вес сольные партии, и чаще стали использоваться музыкальные вставки.

Вторую жизнь античная трагедия получила в конце XVI столетия. Возродить древнюю традицию решило содружество поэтов и музыкантов - Флорентийская камерата. Они создали новый жанр, названный «драмой через музыку». В противовес популярной в то время полифонии, произведения камераты представляли собой одноголосные мелодичные декламации. Театральная постановка и музыкальное сопровождение были призваны лишь подчеркнуть экспрессивность и чувственность поэзии.

Считается, что первая оперная постановка увидела свет в 1598 году. К сожалению, от произведения «Дафна», написанного композитором Якопо Пери и поэтом Оттавио Ринуччини, в наше время осталось только название. Зато их же перу принадлежит «Эвридика» , которая является самой ранней из сохранившихся опер. Однако это славное произведение для современного общества - всего лишь отзвук прошлого. Зато оперу «Орфей», написанную знаменитым Клаудио Монтеверди в 1607 году для мантуанского двора, и по сей день можно увидеть в театрах. Род Гонзага, который правил в те времена в Мантуе, внёс значительный вклад в зарождение оперного жанра.

Драматический театр

Членов Флорентийской камераты можно назвать «бунтарями» своего времени. Ведь в эпоху, когда моду на музыку диктует церковь, они обратились к языческим мифам и легендам Греции, отрёкшись от принятых в обществе эстетических норм, и создали что-то новое. Однако ещё раньше их необычные решения привнёс драматический театр. Это направление развевалось в эпоху Возрождения.

Экспериментируя и ориентируясь по зрительской реакции, этот жанр вырабатывал собственный стиль. Представители драматического театра использовали в своих постановках музыку и танцы. Новый вид искусства пользовался огромной популярностью. Именно влияние драматического театра помогло «драме через музыку» выйти на новый уровень выразительности.

Оперное искусство продолжало развиваться и набирать популярность. Однако по-настоящему этот музыкальный жанр расцвёл в Венеции, когда в 1637 году Бенедетто Феррари и Франческо Манелли открыли первый публичный оперный театр «Сан-Кассиано». Благодаря этому событию, музыкальные произведения данного вида перестали быть увеселением для придворных и вышли на коммерческий уровень. В это время начинается царствование кастратов и примадонн в мире музыки.

Распространение за рубежом

Уже к середине XVII века оперное искусство, при поддержке аристократии, развилось в отдельный самостоятельный жанр и доступное развлечение для масс. Благодаря странствующим труппам, этот вид представлений распространился по всей Италии, и начал завоёвывать публику за рубежом.

Первая итальянский представитель жанра, представленный заграницей, назывался «Галатея». Он был исполнен в 1628 году в городе Варшаве. Недолго после, при дворе было исполнено ещё одно произведение - «La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina» Франчески Каччини. Эта работа также самая ранняя из дошедших до нас опер, написанных женщинами.

«Ясон» Франческо Кавалли была самой популярной оперой XVII века . В связи с этим в 1660 году он был приглашён во Францию на свадьбу Людовика XIV. Однако его «Ксеркс» и «Влюблённый Геракл» не возымели успех у французской публики.

Антонио Чести, которого попросили написать оперу для австрийского рода Габсбургов, добился большего успеха. Его грандиозный спектакль «Золотое Яблоко» длился два дня. Небывалый успех отметил возвышение итальянской оперной традиции в европейской музыке.

Сериа и буффа

В XVIII веке особую популярность приобрели такие жанры оперы, как сериа и буффа. Хотя оба они зародились в Неаполе, два жанра представляют собой принципиальные противоположности. Опера-сериа буквально означает «серьёзная опера». Это продукт эпохи классицизма, который поощрял в искусстве чистоту жанра и типизацию. Сериа отличается следующими качествами:

исторические или мифологические сюжеты;
преобладание речитативов над ариями;
разделение роли музыки и текста;
минимальная индивидуализация персонажей;
статичность действий.

Наиболее успешным и знаменитым либреттистом в этом жанре был Пьетро Метастазио. На лучшие из его либретто писали по десятку опер разные композиторы.

В это же время параллельно и независимо развивается комедийный жанр буффа. Если сериа рассказывает истории прошлого, то буффа посвящает свои сюжеты современным и обыденным ситуациям. Вылился этот жанр из коротких комедийных сценок, которые ставились в антрактах основного спектакля и являлись отдельными произведениями. Постепенно этот вид искусства приобрёл популярность и реализовался в качестве полноценных самостоятельных представлений.

Глюковская реформа

Немецкий композитор Кристоф Виллибальд Глюк прочно запечатлел своё имя в истории музыки. Когда на сценах Европы господствовала опера-сериа, он упорно продвигал собственное видение оперного искусства. Он считал, что в представлении должна править драма, а задача музыки, вокала и хореографии - продвигать её и подчёркивать. Глюк утверждал, что композиторы должны отказаться от эффектных представлений в пользу «простой красоты». Что все элементы оперы должны быть продолжением друг друга и образовывать единый стройный сюжет.

Свою реформу он начал в 1762 году в Вене. Совместно с либреттистом Раньери де Кальцабиджи он поставил три пьесы, однако они не получили отклика. Тогда в 1773 году он отправился в Париж. Его реформаторская деятельность длилась вплоть до 1779 года, и вызвала много споров и волнений в среде любителей музыки. Идеи Глюка оказали большое влияние на развитие жанра оперы. Они также нашли отражение в реформах XIX века.

Виды оперы

За более чем четырёхвековую историю оперный жанр претерпел много изменений и многое принёс в музыкальный мир. За это время выделилось несколько видов оперы:

Опера – вокальный театральный жанр классической музыки. Она отличается от классического драматического театра тем, что актеры, также выступающие в окружении декораций и в костюмах, по ходу действия, не разговаривают, а поют. Действие построено на тексте называемом либретто, созданное на основе литературного произведения или специально для оперы.

Родиной оперного жанра была Италия. Первое представление было организовано в 1600 году правителем Флоренции Медичи на свадьбе его дочери с королем Франции.

Существует ряд разновидностей этого жанра. Серьезная опера появилась в XVII - XVIII веках. Ее особенностью было обращение к сюжетам из истории и мифологии. Сюжеты подобных произведений были подчеркнуто насыщенными эмоциями и патетикой, арии длинными, а декорации пышными.

В XVIII веке зрители начали уставать от чрезмерной напыщенности, и появился альтернативный жанр – более легкая комическая опера. Для нее характерно меньшее число задействованных актеров и «несерьезные» приемы, применяемые в ариях.

В конце того же века родился и имеющий смешанный характер между серьезным и комическим жанрами – полусерьезная опера. Произведения, написанные в этом ключе, всегда имеют счастливый конец, но сам их сюжет трагичен и серьезен.

В отличие от предыдущих разновидностей, появившихся в Италии, так называемая большая опера родилась во Франции в 30-х годах XIX века. Произведения этого жанра, в основном, посвящались историческим темам. Кроме того, был характерна структура из 5 актов, один из которых танцевальный и множество декораций.

Опера-балет появилась в той же стране на рубеже XVII-XVIII веков при французском королевском дворе. Представления в этом жанре отличаются несвязностью сюжетов и красочностью постановки.

Родиной оперетты также является Франция. Простые по смыслу, развлекательные по содержанию произведения с легкой музыкой и небольшим составом актеров начали ставить в XIX веке.

Романтическая опера возникла в Германии в том же столетии. Основной характерный признак жанра – романтические сюжеты.

К самым популярным в наше время операм относятся «Травиата» Джузеппе Верди, «Богема» Джакомо Пуччини, «Кармен» Жоржа Бизе и, из отечественных - «Евгений Онегин» П.И. Чайковского.

Вариант 2

Опера это вид искусства, который включает в себя сочетание музыки пения, спектакля, умелой игры актеров. Кроме этого в опере применяются декорации, украшают сцену, чтобы передать зрителю атмосферу, в которой происходит данное действие.

Так же для душевного понимания зрителем сыгранной сцены, главной в ней выступает поющая актриса, ей помогает духовой оркестр, которым руководит дирижер. Данный вид творчества очень глубок и многогранен, впервые появился в Италии.

Опера пережила много изменений до того как пришла к нам в данном образе, в некоторых трудах были моменты, что поет, писал стихи, ничего не мог без певца, который диктовал ему свои условия.

Потом наступил момент, когда текст вообще никто не слушал, все зрители смотрели только на поющего актера и на красивые наряды. И на третьем этапе получился тот вид оперы, которую мы привыкли видеть и слышать в современном мире.

И только теперь выделили главные приоритеты в этом действии, все же на первом месте музыка, потом ария актера, и только потом текст. Ведь при помощи арии рассказывается история героев пьесы. Соответственно главная ария актеров, это то же, что и монолог в драматургии.

Но во время арии мы еще и слышим музыку, которая соответствует этому монологу, позволяет ярче прочувствовать все действие, разыгранное на сцене. Кроме таких действий есть еще оперы, которые полностью построены на громких и душевных высказываниях, в сочетании с музыкой. Такой монолог называется речитатив.

Кроме арии и речитатива, в опере присутствует хор, с помощью него передается много действующих линий. Так же в опере присутствует оркестр, без него опера не была бы тем, чем есть сейчас.

Ведь благодаря оркестру и звучит соответствующая музыка, которая создает дополнительную атмосферу и помогает раскрыть весь смысл пьесы. Данный вид искусства возник в конце 16 века. Возникновение оперы было в Италии, в городе Флоренции, был впервые поставлен древнегреческий миф.

С момента образования в опере в основном применялись мифологические сюжеты, сейчас репертуар очень широк и разнообразен. В 19 веке данному искусству стали обучать в специальных школах. Благодаря этому обучению мир увидел много знаменитых людей.

Оперу пишут, на основе взятых из литературы, всех стран мира, различных драм, романов, повестей и пьес. После того как написан музыкальный сценарий, его разучивает дирижер, оркестр, хор. А текст учат актеры, далее готовят декорации, проводят репетиции.

И вот после труда всех этих людей, рождается оперный спектакль на просмотр, которого приходит много людей.

Василий Жуковский - сообщение доклад
Василий Андреевич Жуковский, один из известных поэтов 18 века в направлениях сентиментализма и романтизма, достаточно популярных в те времена.
В настоящее время проблема сохранения экологии нашей планеты стоит особенно остро. Технический прогресс, рост населения Земли, постоянные войны и промышленная революция, преобразование природы и расширение ойкумены неумолимо